Keep On Rockin'

Joe Bonamassa

14 марта 2012 года в Санкт-Петербурге выступал Джо Бонамасса (Joe Bonamassa).

Вопрос - идти на концерт или нет, даже и не стоял. Идти обязательно, и на то есть несколько причин.

Во-первых, музыкант до этого не был в нашем городе, во-вторых, он исполняет близкую мне музыку. Этот, еще молодой человек (родился 8 мая 1977 года, Ютика, штат Нью-Йорк), представитель старого доброго рок-звучания. Время, отпущенное на творчество, к сожалению, ограничено возрастными рамками, а у него, надеюсь, еще многое впереди. Конечно же, есть исключения – музыканты и в 60 лет создают шедевры, но такие примеры очень редки.

Лет десять назад мне в руки попал диск Бонамассы “So, it’s like that” с несколькими запоминающимися композициями, и с тех пор я слежу за творчеством этого человека. Не могу сказать, что блюз-рок слушаю каждый день, но если это талантливо и интересно, имя музыканта невольно запоминаешь, вне зависимости от стиля, в котором тот работает.

Без четверти семь я на гранитных ступенях концертного зала. Народ докуривает последние сигареты, высматривает в толпе знакомых, кто-то покупает диски, (предприимчивые соотечественники продают их за 200-300 рублей). Если бы я был уверен, что эта продукция прибыла из Соединенных Штатов…. Но “при современном развитии печатного” дела купить неважно звучащую копию – вероятность почти 100%.

Пора в зал, правда, есть несколько минут для того, чтобы выпить каплю коньяка, так сказать, для полноты ощущений. За столиками можно услышать много информации о Бонамассе, и если вы не удосужились перед концертом почитать о нем в Интернете – будет интересно.

Оказывается, отец музыканта торговал гитарами, и с 4 лет маленький Джо был в “компании” инструментов всех известных фирм-производителей. Так что судьба музыканта была предрешена еще в юном возрасте.

По достижении 12 лет о нем заговорили и в прессе. Сам Би Би Кинг пригласил талантливого мальчишку сыграть на своем концерте. А “разогреть” великого блюзмена – дорогого стоит. В 23 года выходит первый диск, и известность начинает принимать “космические масштабы”. Какими только титулами не наградили его средства массовой информации: “золотой мальчик”, “белый король блюза” ...

Бонамасса играл с огромным количеством известных музыкантов, перечислять их не вижу смысла, но мне почему-то запомнился следующий факт: в 2011 году Джо записал гитарную партию для питерской англоязычной группы Pushking, альбом “A rock and roll journey”, песня “Tonight”.

Перед тем, как занять свое место, с “дозором” обхожу зал. В центре амфитеатра – пульты управления звуком и светом. Зная технический райдер концертного зала, мне интересно, какую аппаратуру Бонамасса привез с собой. За звук отвечает пульт Yamaha, и это, без сомнения, техника музыканта. ПУ светового оборудования – Compulite Dlite, а вот это собственность зала: в райдере – именно этот прибор. Софиты, пушки, прострелы и прочие генераторы легкого тумана – на совести концертной площадки.

В центре сцены, на подмостках, ударная установка Sonor в приличной, но не в гигантской комплектации. Слева от “ступы” акустика Marshall, в количестве 3 единиц, на нее установлены усилители одноименной фирмы – по два на каждую колонку. Справа от барабанов две колонки несколько меньших размеров, с двумя же усилителями. Название фирмы не рассмотреть, догадываюсь, что это аппаратура бас-гитариста. На сцене один микрофон, видимо, никто Бонамассе помогать не будет. Четыре монитора, призванные донести звук до музыкантов, направлены вглубь сцены и как бы указывают, где будут стоять исполнители. Будем надеяться, что привезенной техники хватит для озвучания зала. Немного огорчает отсутствие клавишных. На последних гастролях в Москве был более интересный состав, который хотелось бы услышать и мне. В трех метрах от микрофона замечаю какой-то странный прибор с антенной. Я догадываюсь, что это …. Но подождем концерта.

В 19.03 гаснет свет и под бодрую рок-н-ролльную фонограмму народ, засидевшийся в фойе, устремляется к своим местам. Персонал, вооруженный фонариками, активно помогает опоздавшим. Через несколько минут зал полон, а это означает, что 1850 билетов раскуплены “на ура”. Готовлю оптику – сейчас все начнется.

На несколько секунд музыка смолкает, и на сцене в синих лучах прожекторов появляются музыканты. Без раскачки, без раздражающей пробы инструментов – первый блюзовый стандарт. Мощный чистый звук, бас-барабан бьет прямо в сердце. Ну а пока можно рассмотреть Джо сотоварищи.

Бонамасса, образца весны 2012 года, в черных узких очках, достаточно коротко пострижен. Одет в черную рубашку, расстегнутую на три пуговицы, светло-синие джинсы и светлые замшевые ботинки. В руках Gibson Les Paul, а кто бы сомневался. Сколько инструментов использовал музыкант, останется загадкой, так как роуди подавал гитары из-за кулис, всегда в полной темноте, но две, это - как минимум.

На басе – Carmine Rojas, обритый наголо мужчина с африканскими корнями, одетый в черные джинсы в облипку и такого же цвета футболку с непонятной аппликацией. Когда луч прожектора падает ему на грудь, изображение начинает блестеть, как стразы Сваровски. Пятиструнный красный инструмент музыканта звучит очень низко, не всегда могу расслышать его партию, хотя акустика направлена прямо на меня.

За барабанами – Tal Bergman, мужчина с вьющимися светлыми волосами и с черной коротко стриженой бородкой. Он тоже в черной футболке, на руках перчатки. Играет очень академично, пока без особых эмоций. Ударная установка хорошо озвучена.

Вот и весь состав, приехавший в Питер, а хотелось бы большего. Ладно, в конце концов, это шоу Бонамассы, а он бесподобен. Техника великолепная, звукоизвлечение – безупречно. Ни одной фальшивой нотки за все выступление не заметил, а ведь это живой концерт, здесь все может быть.

Джо активно использует педали гитарных эффектов. Что это за приборы, к сожалению, не видно, мешает монитор.

Где-то после 3-4 композиций, типичных блюзов, акцент постепенно смещается в сторону рока. В песнях начинают появляться характерные риффы, и народ постепенно разогревается. Надо сказать, что на 90 процентов - это люди старше 30 лет. Тинэйджеров практически нет. Правда, рядом с нами сидит довольно юная девушка, но ее привел папа, который точно попадает в указанную возрастную категорию. Девушка громко аплодирует после каждой песни, несколько раз просит бинокль: начинаю проникаться мыслью, что не все потеряно, а потом вдруг начинает зевать. Ну, ничего-ничего, бывает.

Поет Бонамасса неплохо, но видно, что это не его стихия. Выдающихся певческих данных у Джо нет, и поэтому очень бы хотелось увидеть в составе его группы первоклассного вокалиста. Тем более известно, что такие музыканты иногда ездят с ним в гастрольные туры.

Пришло время вспомнить о загадочном приборе с антенной. Это – терменвокс. В середине концерта, Бонамасса в одной из блюз-роковых композиций демонстрирует его возможности. Он приближается к аппарату на расстояние около метра и делает магические пассы около вертикальной антенны. Принцип действия терменвокса в следующем: исполнитель изменяет расстояние от руки до антенны и, тем самым, влияет на емкость колебательного контура, а, следовательно, и частоту звука. Если использовать этот музыкальный фрагмент в каком-нибудь фантастическом блокбастере, то он был бы уместен в эпизоде о вторжении злобных инопланетян. Музыка сфер, звуки космоса.

К концу выступления по-настоящему разогреваются все: и музыканты и зрители. Даже барабанщик начинает проявлять эмоции: по сценарию у него небольшое соло. Не все же Бонамассе солировать.

Последнюю композицию Джо играет на акустической гитаре и заканчивает концерт, оставшись на сцене в одиночестве. Если сказать одним словом – виртуозно. Здесь не помогут электронные примочки, фальшь слышно сразу, а имеющий уши да услышит….

Полтора часа пролетели незаметно, концерт шел без перерыва. Джо благодарит аплодирующий и свистящий зал и в полной темноте скрывается за кулисами. Далее следует проверенный жизнью и временем прием: после небольшой паузы музыканты снова на сцене. И вот тут, на прощание, американские парни выкладываются полностью.

Энергично, страстно, необычайно легко.

После концерта, по дороге домой пытаюсь разобраться в собственных впечатлениях. Положительные эмоции получены, и это очевидно. Бонамасса – великолепный музыкант, его энергетика легко держит зал в течение двух часов. Стиль, в котором он чувствует себя легко и свободно – конечно же, блюз. На память приходит какое-то старое интервью, в котором он рассуждает о “магии трех аккордов”.

Жаль, что не удалось услышать знакомые и полюбившиеся песни, жаль, что он не сыграл так ожидаемый народом Led Zeppelin. В конце Бонамасса начал было вступление к “Stairwey to Heaven”, и зал даже замер в предвкушении…. Люди хотели хитов, пусть и чужих. Многим из пришедших на концерт хорошо известно, что Джо иногда балует публику таким образом.

Следующие выступления в столице, может быть, москвичам “повезет” больше.

Аквариум

4 апреля 2012 года в Санкт-Петербурге состоялись массовые народные гулянья в связи с 4000-летием группы “Аквариум”. Так, с улыбкой, юбилей коллектива был анонсирован Борисом Гребенщиковым.

Сорок веков – это огромный срок, почти вечность. Очевидцы могли бы рассказать, как воздвигались пирамиды, строились и исчезали без следа индийские храмы, как на пустынных еще равнинах Ирландии гулял свежий ветер. Почувствуем ли мы, пришедшие на концерт, дыхание времени, прикосновение вечности. Очень бы хотелось!

Очень бы хотелось забыть совсем не весенний снегопад, оставшийся за стенами “Юбилейного”.

За полчаса до начала концерта в вестибюле комплекса уже не протолкнуться. Народ группируется в районе пивных кранов, к слову, ничего крепче этого благородного напитка, замечено не было. Так же не была замечена распродажа обещанных юбилейных дисков. Жаль, ведь выделенные на это денежные средства, жгли карман.

Пора в зал. Занимаем места в третьем ряду, точно напротив центра сцены. Как обычно, билеты куплены, руководствуясь близостью к пульту звукооператора. Его рабочее место оборудовано отлично, и это внушает оптимизм. Рядом находятся приборы управления светом. Пушки, софиты, прожектора установлены как на подмостках, так и под сводами зала.

Стоячие места прямо перед сценой уже заняты. Пара сотен счастливчиков подобны железобетонной стене, и без боя не сдвинутся ни на сантиметр.

Здесь, процентов на пятьдесят, совсем молодые люди: школьники и студенты. Я даже замечаю девочку лет двенадцати с забавными косичками, папа посадил ее на ограждение отделяющее трибуны от тусовочной площадки.

На сидячих местах люди самых разных возрастов, тут и “стареющие юноши в поисках кайфа”, и дамы бальзаковского возраста, и заслуженные ветераны рок-н-ролльного движения.

Мне интересны символы, образы, тайные знаки для посвященных. На выступлении БГ их не может не быть.

А вот и они:

над сценой гордо реет полотнище, на котором изображена Сарасвати с ситаром – индийская богиня мудрости, олицетворяющая брак неба и земли. Богиня, как всегда, одета строго, и это знак того, что духовные ценности несравненно выше ценностей материальных. Рекламный плакат спонсора повешен в правом углу сцены, значительно ниже богини. Что поделаешь, это тоже символ, символ нашего времени.

По обе стороны от помоста – два огромных экрана, и они совсем не лишние. Даже из первых рядов, без мощной оптики, невозможно рассмотреть лица музыкантов.

С опозданием, около получаса, на сцене появляется “Аквариум” во главе с Борисом Борисовичем. Гребенщиков – в черных джинсах, красной рубашке навыпуск и красной футболке, на голове - черная бандана. БГ приветствует зал, руки его сложены на груди. Это традиционное индийское приветствие –намасте. Для тех, кто не знает, оно означает следующее:

“божественное во мне приветствует и соединяется с божественным в тебе”.

Зал не против, зал громко приветствует БГ.

Концерт начинается песнями из альбома “Архангельск”.

Пора представить и других музыкантов: гитара, флейта, саксофон, мандолина – Игорь Тимофеев; клавишные – Борис Рубекин; перкуссия – Олег “Шар” Шавкунов; бас-гитара, электроконтрабас – Александр Титов; скрипка – Андрей Суротдинов; барабаны – Лиам Бредли.

В концерте также участвует группа духовых инструментов: Сергей Богданов – саксофон, Алексей Дмитриев – труба, Антон Боярских – тромбон. “Шашки Шамбалы” – так, с улыбкой, их представил БГ. Саксофон Богданова – инструмент исполинских размеров, звучит порой очень низко. Похоже, это близкий родственник “иерихонской трубы”.

“Голос равнин”, ирландец Брайан Финнеган играет на флейтах, коих в арсенале музыканта несколько. Здесь даже тин вистл (tin whistle), экзотический для наших краев инструмент. Ну и, наконец, несравненная Бэкки Тейлор, мастер нортумбрийской волынки. Это не игра слов, нам ее точно сравнить не с кем. Нортумбрийская волынка – редкий элитарный инструмент, которым владеет весьма ограниченное количество настоящих профессионалов. А если это молодая женщина… Мои комплименты!

Исполнены несколько песен, и Борис Борисович благодарит аплодирующий зал словами: “спасибо любимые”, а потом добавляет: “а вот сейчас мы начнем”.

Далее следуют несколько проверенных временем вещей: “Аделаида”, “Змея”, “Железнодорожная вода”.

Во время исполнения “Аделаиды” свет был очень хорош. Хочется поблагодарить светотехников – изобретательно, с выдумкой. Молодцы.

- Я змея, я сохраняю покой, - поет БГ, и я ловлю себя на мысли, что тоже сохранял покой, пока в одной из композиций в дело не вступил великолепный дуэт Финнегана и Тейлор. Волынка и флейта то поочередно солируют, то звучат в унисон. Задорно, свежо, виртуозно – вот уж действительно, “ветер ирландских равнин”.

Надо сказать, что “проявить себя” удалось всем присутствующим на сцене музыкантам. Особенно запомнились гитарная партия Игоря Тимофеева, причудливые ритмы перкуссиониста Олега Шавкунова, замечательное соло на клавишных Бориса Рубекина.

В “Марше священных коров” солирует и сам БГ. Он снимает гитару и берет руководство оркестром в свои руки. Сложное, многослойное произведение требует присутствия дирижера, и Борис Борисович руководит исполнителями уверенно и профессионально. У него не забалуешь.

На “бис” “Аквариум” отыгрывает, на радость залу, практически полноценное второе отделение. Звучат: “Тайный узбек”, “Дубровский”, относительно новая “На ход ноги” и другие песни из последних альбомов. На площадке перед сценой народ танцует. Ноги сами просятся в пляс, когда играет волынка. А вот и та самая девочка. Вместе с папой они дадут фору мастерам ирландского народного танца.

В заключении - пару слов о звуке. Несколько раз за эти два с половиной часа низкие частоты выходили из-под контроля. Трудно сказать, в чем тут дело. Ведь специалисты готовят аппаратуру в пустом зале. А вот, когда в нем собирается несколько тысяч человек, акустические свойства помещения могут очень значительно меняться.

Возможно, потеря контроля связана с большим количеством одновременно играющих инструментов. 12 музыкантов на сцене – это целый оркестр. Ну, а в итоге - неприятный звук и вибрация кресел.

В целом, слава индийскому божеству, звук был совсем не плох, все инструменты и голос БГ я слышал.

Музыка Гребенщикова и “Аквариума” всегда навеяна множеством музыкальных стилей и культур. На концерте, где прозвучали песни разных лет, можно было услышать и реггей, и рок-н-ролл, и этнику. Наверное, каждый смог найти что-нибудь для себя. За это БГ и любят. Несколько тысяч людей разных возрастов и музыкальных пристрастий получили огромное удовольствие от этого концерта. Другое дело, что каждый из присутствующих составил бы по-своему список “юбилейных” песен. Мне бы хотелось услышать побольше старых добрых вещей из альбомов “Радио Африка”, “Треугольник” и Дети декабря”.

Для этого концерта, мне показалось, музыкальный материал был отобран таким образом, чтобы максимально использовать таланты и мастерство Тейлор и Финнегана. Это, конечно же, оправдано.

Очень рад, что “Аквариум” не стоит на месте, он ищет и находит. В 2012 году он такой, в впереди еще 4000 лет.

Manfred Mann Band

25 мая 2012 года в Санкт-Петербурге играл Манфред Мэнн (ММ). Концерт был анонсирован, как совместное выступление Manfred Mann Band и BJH John Lees, к несчастью, Джон Лис лидер Barclay James Harvest заболел и в Россию приехать не смог. Очень жаль, это было бы первое выступление Джона в нашей стране. Очень любопытно было бы увидеть на одной сцене двух легенд прогрессивного рока, оценить самому “кто кого разогревал”, услышать фирменный звук двух непохожих групп. Но человек предполагает, а … “жизнь – она без песен”. Пожелаем Джону скорейшего выздоровления и долгих лет.

До начала концерта еще есть немного времени, и мы вполне успеем за коньяком и эспрессо поговорить о Манфреде, обсудить предстоящий концерт.

В ДК Ленсовета есть удивительное местечко, где сделать это можно с удовольствием. Я говорю, конечно же, о кафе-баре в оранжерее. Здесь, среди пальм и экзотических растений, умело расставлены столики, и все располагает к беседе.

Цепочка ассоциаций выстраивается сама собой: пальмы - Африка - Южно-Африканская Республика – Манфред Любовиц. Это настоящее имя Манфреда Мэнна, а ЮАР – историческая родина музыканта. 21 октября 1940 года в Йоханнесбурге и родился наш сегодняшний гость. С шести лет он начал осваивать семейное пианино, в школьные годы увлекся джазом. Сложная политическая обстановка тех лет в ЮАР или музыкальные амбиции молодого человека послужили причиной появления его в Англии начала 60-х годов – остается загадкой, но Манфред сразу оказался в “бурлящем музыкальном котле” Острова.

Первое время он играл в малоизвестных джаз-бэндах, преподавал теорию джаза, писал статьи для музыкальных изданий.

В 1963 году на свет появилась группа “Manfred Mann”, которая просуществовала до 1969 года. За это время музыка Манфреда заметно эволюционировала: ритм-энд-блюз, затем поп-рок с привкусом соул, а в конце 60-х в его творчестве можно обнаружить элементы арт-рока. Ведь жизнь не стоит на месте, и в Англии уже появились группы, играющие эту сложную и красивую музыку.

Первый опыт использования чужих мелодий приходится также на эти годы. В репертуаре появляются дилановские каверы: “Mighty Quinn” и “Just Like A Woman”. Нет никаких сомнений, что мы услышим их через несколько минут.

В 1971 году Манфред создает новую группу “Manfred Mann’s Earth Band”.

Тут то и начинаются настоящие музыкальные эксперименты “земного оркестра”. Записывается первый альбом с одноименным названием, и слушатели с удивлением обнаруживают, что курс взят на прогрессив и, не побоюсь этого слова, симфо-рок.

А на Острове уже есть признанные авторитеты: “Emerson, Lake & Palmer”, “Yes”. Альбом имеет успех, и в “звездной компании” ММ выглядит вполне достойно.

В последующие годы Манфред продолжает свои музыкальные опыты, записывает ряд великолепных альбомов: “Nightingales & Bombers”, “Angel Station”, “Watch”, “Solar Fire” и др. На каких-то из них можно услышать характерные хард-роковые риффы, взбодриться драйвовым рок-н-роллом, на других с удовольствием погрузиться в “музыку сфер, звуки космоса”.

За разговором время летит очень быстро, и мы обнаруживаем, что уже начало восьмого. Выясняем у доброжелательных “бабулек” о получасовой задержке концерта и, ничуть не огорчившись, возвращаемся за наш столик. Вспомнили мы еще далеко не все, а биография у сегодняшнего гостя Санкт-Петербурга богатая.

Манфред Мэнн продолжает использовать произведения других музыкантов, и это становится фирменной (часто критикуемой) чертой его творчества. Великолепные интерпретации песен Боба Дилана, Джона Саймона, талантливые аранжировки композиций Брюса Спрингстина. Стоит лишь вспомнить “Blinded by the Light” и “Spirits in the Night”. Они тоже будут сегодня сыграны "Manfred Mann Band".

К слову, истории не известно, чтобы кто-то из перечисленных музыкантов негативно относился к работам ММ. А Боб Дилан даже похвалил Манфреда, назвав его самым интересным интерпретатором собственных песен. И действительно, чему огорчаться? Песни живут, авторов помнят, роялти перечисляются.

С Манфредом Мэнном играло большое количество известных музыкантов, состав группы менялся, чуть ли, не ежегодно. Нам интересно, кто приехал с ним в Питер на этот раз.

Мы прекрасно понимаем, что будут исполнены проверенные временем хиты. Вряд ли ММ порадует зрителей новыми композициями. Огорчает ли это? Да ничуть. Мы знаем, куда пришли, хотим увидеть любимых музыкантов, услышать живой звук, унести с концерта хорошее настроение.

Ну, пожалуй, хватит. Цели определены, задачи поставлены. Пора в зал.

Еще есть несколько минут до начала концерта и стоит взглянуть на техническое оснащение “Manfred Mann Band”. В центре сцены на полуметровом помосте ударная установка “Tama”, смотрится внушительно.

Слева акустика “Marshall” с одноименным “усилением” в количестве двух единиц. По правую руку высокая стойка серого цвета – колонки бас-гитариста. Далее на возвышении - “гнездо” Манфреда Мэнна. Три яруса из Korg-ов, Roland-ов и “примкнувшей” к ним Yamaha. Плюс к этому, под прямым углом к стойке установлены еще клавишные, но, сколько их, к сожалению, не видно. На сцене три микрофона и шесть мониторов, по два на каждое “рабочее место”. Обнадеживает. Мы услышим многоголосое пение.

Занимаем свои места и обнаруживаем, что зал не полон. Очень много пустых кресел. Вариант – ряды любителей рока год от года редеют, не кажется правдоподобным, а вот вариант – реклама свой хлеб не отработала, устраивает больше.

Гаснет свет, и на сцене появляются музыканты: Manfred Mann – клавишные, Mick Rogers – гитара, Steve Kinch – бас, Jimmy Copley – барабаны и Robert Hart (экс-вокалист Bad Company). Ну, а начинают они этот концерт песней “Spirits in the Night”. Мик и Роберт в серых костюмах, придет время, когда станет “погорячее”, и Мик снимет пиджак, представ перед зрителями в строгом жилете поверх белой рубашки. Стив в черной футболке и такого же цвета джинсах. Среди многочисленных тарелок - голова Джимми в больших закрытых наушниках. Поверх стойки с клавишными видно лишь шляпу

Манфреда. Это головной убор – а-ля Крокодил Данди, украшенный чьими-то зубами, но точно не человеческими. А пусть это будут “зубы дракона”.

… и полетели в зал волшебные звуки. С первых же аккордов становится ясно, что саунд “выстроен” как надо. Слышу все инструменты, различаю голоса Мика, Стива и Роберта и, в тоже время, ощущаю достаточно плотное звуковое давление. Да-да, та самая “стена звука”. Не знаю, как в других местах зала, но здесь в амфитеатре, напротив середины сцены – все очень достойно.

Вокал и подача музыкального материала Робертом мне нравятся, да и чему удивляться, не мальчик чай. Кроме того, и Bad Company - группа не из последних.

Мик и Стив отлично ему помогают и “борозду не портят”. Роджерс и сам поет очень прилично, в чем зрителям позволено было не раз убедиться за время концерта. В “Spirits in the Night” он, например, выступил, как основной вокалист.

Да и вообще, он - “первая скрипка в оркестре”. Манфред, похоже, сознательно уступил ему эту роль. Мик без устали демонстрирует великолепную технику, мастерски используя гитарные эффекты. Весь концерт он на сцене, на переднем крае. Если Роберт Харт время от времени удаляется за кулисы, передохнуть и воды испить, то Мик и Манфред, то поочередно солируют, то, звуча в унисон, плетут эту затейливую музыкальную вязь. На первый взгляд ММ не очень заметен, но это лишь на первый взгляд. Стоит ему бросить клавиши - исчезнет это волшебство звука, фирменный саунд “Manfred Mann Band”. Несколько раз за время концерта Манфред покидает уютное “гнездо” и с “Roland-ом” наперевес присоединяется к Мику, Роберту и Стиву. На ММ черная рубашка с короткими рукавами, украшенная несколькими белыми мазками гигантской кисти.

Ритм-секция Стива и Джимми “работает”, как швейцарский хронометр. Барабаны отлично озвучены, сердце группы бьется четко и уверенно - никакой аритмии, а партию бас-гитары можно услышать, не прилагая усилий.

Время летит очень быстро, композиции с безупречно отрепетированными и совсем не короткими “импровизациями” сменяют друг друга и, честно говоря, запомнить все песни, прозвучавшие на концерте, я даже и не пытался. Хотелось, как говорится, расслабиться и получить удовольствие. Что цель достигнута, я понял, когда группа отыграла “Father of Day, Father of Night”. С удивлением обнаружил, что сижу, вцепившись в подлокотник, а на лице – вызывающая подозрение улыбка. Оглядываюсь по сторонам, слава богу, никто не заметил. Группа заканчивает основную часть концерта и скрывается за кулисами, впереди выход “на бис”.

Хватит сидеть, пора поближе к сцене. Чувствуем, что “шаркнуть ножкой” и “тряхнуть хайром” напоследок будет абсолютно правильным решением. Мы не одни такие умные, “пипл” с фототехникой наперевес уже стоит в два ряда, да и желающие “двинуть телом” присутствуют.

По старой доброй традиции “Manfred Mann Band” заканчивает свое выступление знакомыми риффами от “Deep Purple”. “Smoke on the Water” – завершающая точка нашего музыкального путешествия. Парни, обнявшись за плечи, благодарят аплодирующий зал и говорят, что пора в Москву.

Вот они, совсем рядом: разгоряченный Мик, улыбающийся Стив, напоследок блеснет серьга в его левом ухе, довольный Роберт, во время последней импровизации он даже успел выйти в зал, осчастливив пару человек автографами, немного усталый Джимми. Ну и, наконец, спокойный и уверенный Манфред Мэнн, совершенно не выглядящий на свои 70 лет. Музыканты покидают сцену, а мы ждем еще несколько минут. Напрасно, технический персонал уже начинает разбирать аппаратуру.

На выходе замечаем большую группу знакомых, которые немного опоздали на концерт и пропустили “Spirits in the Night”. Это немного огорчает коллег, но совсем немного. Сходимся во мнении, что “Магистр Звуков” в очередной раз был на высоте, и договариваемся увидеться на следующем концерте.

Любимые песни услышаны, звук не разочаровал, а музыкантам тоже было в “кайф”. Вечер удался.

ZZ Top

18 июля 2012 года в Санкт-Петербурге выступали ZZ Top.

В отличие от предыдущего концерта в Юбилейном, на котором мне удалось побывать, подмостки для музыкантов были установлены не в центре хоккейной коробки, а “за воротами”, и “правильные”, специально выбранные места на 11-й трибуне вдруг оказались под углом к сцене. До музыкантов, конечно же, недалеко,… но что будет со звуком? Уверен, ничего хорошего!

На часах почти семь вечера и я быстро перемещаюсь на тусовочную площадку. Вижу незанятый бортик точно напротив подмостков - пора вспомнить молодость. Орлом взлетаю на насест, устраиваюсь с максимально возможными “удобствами”. За спиной много свободных кресел, но расстояние до сцены очень велико. Это будет, пожалуй, слишком серьезным испытанием для моей оптики. Посижу на жесткой дощечке, ничего страшного, “спецподготовка” рок-н-ролльной юности обычно не проходит даром. В конце концов, ZZ Top не балуют своих поклонников длинными импровизациями, концерт обычно идет около полутора часов.

На электронном табло Юбилейного 19.00. Но что-то подсказывает – музыканты задерживаются, и, возможно, надолго. В “гнезде” звукооператора, расположенного в десятке метров от меня, готовность № 0 не обнаружена. Технический персонал общается с кем-то по телефону, рация сиротливо лежит на пульте. А значит, есть время осмотреться.

За звук сегодня отвечает аппаратура “DiGiCo”. Примерно в центре хоккейной коробки огорожен участок площадью, этак, метров десять, на котором установлен пульт и многочисленные коммутационные блоки. На каждом ящике замечена бумажная полоска с надписью от руки - “Europe”. Значит и мы тоже…. Это вселяет чувство гордости.

Минут через пятнадцать, посчитав, что время вежливости истекло, народ свистом и криками напоминает о своем присутствии. До 20.00 это происходит с завидной периодичностью, но начало концерта не приближает. Не солидно, ребята. Как там у вас в Техасе не знаю. Не бывал. А у нас в России: “время - деньги”.

“Пипл” развлекается, как может. Для того чтобы он не скучал, звучит фонограмма. И под “фанеру” зрители слоняются по площадке: кто-то в очередной раз принес пиво, кому-то любительские фотосессии помогают коротать время, особо пытливые теребят технический персонал. В нескольких шагах от меня танцует одинокая девушка хипповатого вида. “Дитя цветов” 21-го века, как в далекие 70-е – время основания ZZ Top. Ей хорошо, да и окружающие довольны. Все какое-то разнообразие. Еще через полчасика замечены первые утомившиеся: представители сильной половины человечества располагаются прямо на полу, прислонившись спиной к бортику. Пытаюсь обнаружить бородатых фанов ZZ Top, но тщетно. За весь концерт так ни одного и не увидел.

Музыканты что-то не спешат, вполне успею сделать “лирическое” отступление:

Группа была создана в 1969 году в городе Хьюстон, штат Техас. С тех пор троица, в неизменном составе, записала 14 студийных альбомов, их песни звучат во многих известных фильмах (“Назад в будущее”, “От заката до рассвета” и др.). Отцом-основателем ZZ Top является Билли Гиббонс, гитарист, которого отмечал сам Джимми Хендрикс.

Музыку группы можно охарактеризовать, как блюз-рок с элементами буги-вуги и хард-рока. Тексты песен – шутливы, насыщены сленгом, пропитаны юмором с сексуальным подтекстом.

В 2004 году ZZ Top обосновались в музее славы рок-н-ролла, а торжественную речь произнес Кит Ричардс.

Смотрим дальше, неторопливо изучаем сцену. Время для этого есть.

В центре подмостков - ударная установка в синих лучах подсветки. Это приличных размеров “ступа” с обилием тарелок и двумя бас-барабанами. Они выглядят, как гигантские, крашеные серебрянкой, черепа с огромными фиолетовыми глазницами. Да и другие барабаны стилизованы под вышеупомянутые части человеческого скелета. На месте номерного знака для “ступы” красуется табличка: ZZ Top 78 Rus. А это означает: техосмотр и регистрация прошли в Санкт-Петербурге успешно. Однако пора бы и поехать, прошло уже сорок минут. Слегка начинаю нервничать, и эта груда черепов все более напоминает Верещагинский “Апофеоз войны”. Вот только чахлые деревья на известной картине совсем не похожи на техасские кактусы.

Их, скорее, напоминают две причудливые микрофонные стойки на переднем крае сцены. Из стальных перфорированных кожухов выглядывают изогнутые головы микрофонов. А может это гремучие змеи? Вставшие на хвост гигантские рептилии.

За сценой установлен большой экран, по обе стороны ударной установки – еще два, поменьше. Маленькие экраны окружены узкими и достаточно высокими акустическими колонками. Боковые стенки кабинетов также выглядят перфорированными и при изрядной силе воображения их смело можно вообразить кактусами. Название фирмы-производителя, к сожалению, не рассмотреть - здесь моя оптика бессильна. Однако, известно, что Билли Гиббонс при работе в “живую” использует четыре 100-ваттных головы Marshall и усилители одноименной компании.

Около восьми вечера в “гнезде” звукооператора начинается какое-то движение. На голове у парня появляются большие закрытые наушники, проведен сеанс связи по рации, а его руки замирают на пульте. И я понимаю, что дождался.

Гаснет свет, на экранах появляются картинки жаркого Техаса. Упитанные “гремучки” извиваются на потрескавшейся земле, мелькают ковбойские шляпы и узорчатые сапоги на скошенных каблуках, мясистые кактусы и баночки с кока-колой. Татуированная блондинка приятной полноты сообщает с экрана: “z...z…top”.

Оживает светотехника, и на сцене появляются музыканты. Billy Gibbons – гитара и вокал, Dusty Hill – бас и вокал, и Frank Beard – барабаны. Бороды Билли и Дасти пушисты и ухожены, Фрэнк – гладко выбрит, но его фамилия вносит посильный вклад в имидж группы. (Beard – борода). Гиббонс и Хилл в серых шляпах и черных куртках, короткие брюки позволяют видеть черные широконосые ботинки на небольшом каблуке. Ну и, конечно же, неизменные аксессуары, большие черные очки. А как без них? Бирд – в футболке с короткими рукавами, на руках – перчатки. В лучах прожекторов барабаны Фрэнка приобретают золотистый оттенок, серые дизайнерские гитары бородачей искрят серебряными вкраплениями.

ZZ Top начинают концерт песней “Thunderbird” из альбома “Fandango”.

Звучат первые композиции, и мне кажется, что техасские парни чуть-чуть не попадают в такт. Может быть, я придираюсь к музыкантам, ведь они начали с часовым опозданием, а на моем насесте, прямо скажем, жестковато. Кстати, на бортике уже нет свободных мест, такая высота позволяет хорошо видеть сцену. Звуковая волна бьет в этот своеобразный экран, добавляя нам тактильных ощущений и, временами, это приятно. Звучание гитар жесткое и колючее, нотки гаснут, едва пальцы отрываются от грифа. Никаких послезвучий. Быть может, такой саунд создает ощущение несыгранности.

Это ощущение пройдет лишь, когда роуди вынесут другие инструменты гитаристам. Билли вооружается Gibson 1959 Les Paul Standard, Дасти перекидывает через плечо темно-синий Fender с единственным звукоснимателем. У этой, хорошо известной почитателям ZZ Top, бас-гитары - головка колками вниз. Звук становится плотным, насыщенным, как в старые добрые времена, когда появились на свет золотые хиты группы. Иногда он большой, тяжелый, порой – остро перченый.

В этом своеобразном втором отделении большинство песен всех времен и народов и были сыграны.

Я говорю, конечно же, о “Gimme All Your Lovin’”, “Sharp Dressed Man”, “Legs”, “Sleeping Bag”, “My Head’s in Mississippi” и других хитах.

Картинка на экраны проецируется на протяжении всего концерта: кадры известных клипов сменяются видео трансляцией концерта. Мы можем полюбоваться музыкантами с других ракурсов. Пока звучит “Gimme All Your Lovin’” – перед глазами обычная жизнь техасской глубинки. Унылые пейзажи, заурядная автозаправка, брутальные водители, а также “униженные и оскорбленные”.… Но что это?

На горизонте появляется красный “Форд” выпуска 30-х годов прошлого века, на бортах машины – стилизованная под молнии надпись ZZ Top. Дверцы открываются и из авто выходят три раскованные техасские девчонки – точно по количеству участников группы. А вот и сами музыканты, с гитарами

наперевес. Звучит музыка, справедливость восстановлена, все счастливы. Американская мечта!

При исполнении “Legs” парни в третий раз меняют инструменты. Теперь в руках у них “белые и пушистые” гитары, а в саунде появляется синтезаторный привкус. Билли и Дасти демонстрируют синхронное вращение своих “пушистиков”, гитары напоминают белые пропеллеры.

Последняя смена инструментов сопровождается переодеванием. Гиббонс и Хилл появляются перед публикой в расшитых узорами нарядных куртках, с преобладанием малинового цвета. Билли решает, что настало время перекура, и “шустрый мальчонка” подносит зажигалку к его длинной сигаре. К этому моменту Фрэнк покурил уже пару раз, без отрыва от ударной установки. Обычные сигареты, наверное, Marlboro. А что еще курят настоящие ковбои?

Выступление подошло к концу, парни воссоединяются на переднем крае сцены. Слово “спасибо” Билли произносит без акцента, в России, слава богу, уже не в первый раз. Потом музыканты кланяются и уходят за кулисы. А как же “на бис”? На бис в следующий раз. Сегодня “рядовой Гиббонс” стрельбу закончил. Очень напоминает работу “от и до”. Очень жаль!

Хиты услышаны, шоу в целом не разочаровало. ZZ Top - интереснейшая группа, внесшая огромный вклад в рок-музыку. Столько лет быть в “обойме” - это дорогого стоит. Они придумали запоминающиеся мелодии, создали свой, неповторимый и узнаваемый саунд.

На мой взгляд, это и есть два “необходимых и достаточных условия” рождения великой группы.

Как говорится: “хорошо, но мне чего-то не хватает”. Может быть, текилы?

Nazareth

4 октября 2012 года в Санкт-Петербурге выступали Nazareth. Это был второй концерт рок-группы, в рамках прощального тура по городам России. День назад наши гости играли в Москве.

А вдруг, на самом деле, прощальный? Вдруг не рекламный ход, хорошо знакомый и уже успевший поднадоесть? Время летит, и рок-музыканты не молодеют. Покупая билет, я думал, в том числе, и об этом.

Дэн Маккаферти, вокалист группы, в последнее время не очень хорошо себя чувствует, несколько раз это приводило к отмене или переносу выступлений. Было опасение, что и в Санкт-Петербурге может произойти нечто подобное.

Но не будем о грустном. Уверен, Дэну бы не понравилось.

Перед концертом совсем не помешает капля коньяка, к слову, любимого напитка Маккаферти. Занимаем столик и под благородный напиток вспоминаем историю Nazareth.

Отцом-основателем Nazareth является Пит Эгнью, нынешний бас-гитарист коллектива.

В далеком 1961 году в Шотландии на свет появилась малоизвестная команда под названием Shadettes, в 64-м пришел Даррелл Свит – первый барабанщик группы, в 66-м присоединился Дэн Маккаферти, бессменный вокалист и фронтмен, а в 1968-м – Мэнни Чарльтон, замечательный гитарист, композитор и аранжировщик. Было принято решение о переименовании группы, так в декабре 1968-го и появился Nazareth.

Спустя два года, эти, женатые к тому времени, люди покидают свои дома, бросают привычную работу и перебираются в Лондон. Здесь в огромной, старой квартире они работают над новыми песнями, мечтают об успехе, известности, благополучии. Пройдет не так уж много времени, и их мечты осуществятся.

Дискография группы внушительна. Музыканты записали 29 альбомов, первый – в 1971 году, последний – в 2011-м. В начале творческого пути их музыка представляла собой причудливую смесь из рока, кантри и элементов шотландской музыки, а середине 70-х трансформировалась в мелодичный хард-рок. Узнаваемый саунд, красивые рок-баллады, вокал Маккаферти – это и есть Nazareth.

В восемь вечера занимаем свои места. Слава богу: они с нами. Над сценой висит огромное полотнище с надписью Nazareth. Под ним установлена аппаратура, снуют длинноволосые роуди, в последний раз проверяющие доверенную им технику. А она в этот раз такая:

В центре, на возвышении – ударная установка MAPEX с одним бас-барабаном и большим количеством тарелок. Посовещавшись, решаем, что это изделия фирмы UFIP.

Слева от подмостков 4 колонки Marshall с одноименными усилителями, справа – акустика бас-гитариста в количестве двух единиц. На сцене три микрофона, для вокалиста и музыкантов ритм-секции. Лидер-гитарист, похоже, петь не будет. Зато поиграет на славу, в левом углу сцены стоит его желтоватый Gibson. Инструмент басиста также хорошо виден. Это достаточно большая, коричневая гитара фирмы Alembic.

На часах 20.10. Гаснет свет, и из динамиков льются звуки волынки. В синеватом сумраке хорошо видны лишь барабаны, освещенные красным лучом прожектора. Своеобразная увертюра длится несколько минут: музыкантам нужно собраться, да и зрителю не мешает проникнуться торжественностью момента.

Стихает музыка, и на сцену из-за кулис выходят музыканты. Давненько мы не слышали пробы инструментов, даже как-то непривычно. Лидер гитарист все-таки пробегает по струнам, а в завершении - короткий и жесткий рифф.

Оживает светотехника, выступление начинается. За барабанами Lee Agnew, лидер-гитара – Jimmy Murrison, бас-гитара – Pete Agnew, к слову, Пит – это отец барабанщика группы, ну и, наконец, Dan McCafferty – волшебный голос Nazareth.

На сцене Дэн появляется последним. На Маккаферти синие джинсы, кеды и белая навыпуск рубашка, с узорами на плечах. Он коротко подстрижен, седые волосы вьются, как в молодости.

Дэн встает справа от микрофона, левой рукой наклоняет стойку, и …. мы узнаем этот неповторимый по тембру голос.

Достаю оптику, хочется рассмотреть музыканта поближе. Я даже пропускаю первую песню, кажется, это была “Silver Dollar Forger”.

- Привет, Петербург, - Маккаферти здоровается со зрителями и концерт продолжается.

Зато вторую композицию не узнать сложно. Гитарные рифы напоминают перестук колес, это стремительно приближается почтовый экспресс. “Telegram” – конечно же!

Музыка подчеркивает ощущение тревоги. Что же в этой телеграмме?

Звук мощный, дрожит пол под ногами, вибрируют подлокотники. Интересно, как себя чувствуют зрители в первых рядах партера? В бинокль хорошо видны их седые головы. Вроде бы все на месте, никого не сдуло.

Голос Дэна немного изменился, ему, чай, не тридцать лет. И, тем не менее, это Маккаферти, один из самых известных персонажей классического рок-н-ролла 70-х.

В перерывах между песнями музыкант общается с публикой, в основном на английском языке, но в его лексиконе есть и несколько русских слов.

Тираду Дэна вдруг обрывает истошно-просящий крик: DREAM ON!!! Зритель из амфитеатра хочет услышать одноименную песню. Это его заветная мечта! Дэн улыбается, разводит руки и звучит “Sunshine”. Песня замечательная – все довольны.

Знакомая партия барабанов, да это же “Hair of the Dog”. Что с пальцами моей правой рукой? “Коза!”. Усмехаюсь про себя и перекладываю в шаловливую кисть бинокль. А вот пара ребят, сидящих перед нами, таких комплексов не испытывают. Не беда, что тебе глубоко за сорок. Это Nazareth, приятные воспоминания молодости.

Маккаферти находит взглядом приглянувшуюся девушку и объявляет:

- For Natasha!

Что же Дэн приготовил для Наташи? Пара строчек из куплета звучит, примерно, так:

- Я люблю эту женщину,

- Она лучшее, что у меня есть.

Да! Это “Whiskey Drinkin’ Woman”. Мои соседи с удовольствием помогают Дэну исполнить припев:

- That whiskey drinkin’ woman

- Is makin’ a poor man out of me.

Во время концерта прозвучали несколько песен из альбома 2011 года “Big Dogz”, исполнены “Cocaine” и, конечно же, “Love hurts”. Великолепная мелодия “сердец” украшала play-листы многих вечеринок и свадеб во всех частях света.

В одной из старых композиций Маккаферти исполнил соло на волынке в сопровождении ритм-секции. Зал оценил и бурно приветствовал шотландского волынщика.

Запомнились гитарные партии Джимми Муррисона. Здесь сразу хочется вспомнить Мэнни Чарльтона, первого гитариста группы. Ведь именно он придумал и “отшлифовал” всем нам знакомые риффы.

Произвела впечатление и слаженная работа семейной династии Эгнью. Юный, по сравнению с остальными участниками группы, барабанщик борозду не портил. В “двухгитарной” группе от его профессионализма зависит очень многое. Во всяком случае, все знакомые партии ударных звучали, как в старые добрые времена. К сожалению, судить об этом мы можем лишь по студийным записям. В зале не было очевидцев концертов далеких семидесятых.

Примерно через час Дэн сотоварищи машут руками на прощание и скрываются за кулисами. Зал ревет: маловато парни, давайте еще. Крики и свист по децибелам ничуть не уступают профессиональной аппаратуре Nazareth.

Спустя несколько минут музыканты опять на сцене. Звучат первые аккорды, и …. пропадает звук. Гаснут красные огоньки на усилителях, что-то с электропитанием. По сцене бегают взъерошенные роуди, а музыканты опять уходят за кулисы. Слава богу, фаза найдена, персонал быстро проверяет микрофоны и инструменты. Можно продолжать.

Неизвестно сколько бы еще песен сыграл Nazareth, но это досадное происшествие привело к тому, что парни ограничились одной композицией. Но какой! В финале прозвучала “Animals”.

Не оставляет ощущение, что Дэну тяжело дался концерт. Порой он производил впечатление очень усталого человека: совсем не легкая походка, частые уходы в тень звуковой аппаратуры. Видно было, что там он отдыхал, облокачиваясь на акустику. В эти минуты становилось немного грустно, годы бегут, и с этим не поспоришь.

Но лишь только коллеги заканчивали свои сольные партии, Маккаферти – опять на переднем крае. И у меня нет сомнений – это Nazareth. Группа, которую мы помним и любим.

14 октября Дэну Маккаферти исполнится 66. Хочется пожелать ему здоровья и долгих лет жизни. А в глубине души теплится надежда, что это не последний концерт в Санкт-Петербурге.

Deep Purple

27 октября 2012 года в Ледовом дворце Санкт-Петербурга выступали Deep Purple, без сомнений - группа “первого эшелона”, а для меня – одна из интереснейших команд первой пятерки исполнителей рок-музыки. Если коснуться стилей, то №1 в hard-rock, на мой взгляд, это именно “темно-лиловые”. Даже сейчас, когда группа играет без Лорда и Блэкмора, главных выдумщиков, великолепных музыкантов, равных ей на просторах этого, к сожалению, уходящего в историю стиля, просто нет. Или есть? А мы о них не знаем или сомневаемся. Чтобы убедиться в этом, нужно еще раз послушать Deep Purple, и лучше - в “живую”.

За полчаса до начала концерта на лестнице Ледового дворца уже стоит приличная очередь, из метро стройными рядами выходят все новые и новые почитатели “темно-лиловых”, да и с других направлений прибывают седовласые любители хард-рока. Рядом с нами живописная пятерка длинноволосых и бородатых дядек, забавно скандирующих: “Deep Purple – forever!”. Оценив обстановку, решаем, что в многочисленных кафе Ледового уже не протолкнуться. Поэтому ищем злачное место в ближайших окрестностях.

Берем коньяк, устраиваемся в уголке и с любопытством наблюдаем за происходящим. В дни хоккейных баталий здесь поднимают тонус болельщики, ну а сегодня – исключительно, любители рок-музыки. И это видно невооруженным глазом, да и знакомые цитаты на английском языке не оставляют никаких сомнений. В центре зала мужчина, глубоко за пятьдесят, с бокалом янтарного напитка. Он ищет свободное место, видит, что таковое имеется за нашим столиком и просит разрешения, присоединиться. Видимо, у меня на лбу тоже написано: “Deep Purple – forever!”, поэтому он без предисловий интересуется, кто сегодня за клавишами. Охотно делюсь информацией, ну, а следующий тост – абсолютно логичен. Поминаем Джона Лорда, умершего 16 июля 2012 года. Молча, до дна.

Мужчина не остается в долгу и сообщает, что сегодня будет “разогрев”: красноярская группа Rocco сыграет в первом отделении. Почему нет? “Темно-лиловым” по статусу полагается.

Собеседник интересный, но пора на концерт, на часах уже 18.50.

Едва успеваем занять свои места, как в зале гаснет свет. На сцене – Rocco, группа, состоящая из трех музыкантов: двух гитаристов и барабанщика. Сложно играть перед выступлением Великих, ведь все ждут Deep Purple. А с другой стороны, есть возможность показать себя, и, более того, существует гипотетическая возможность затмить хедлайнеров. В конце 60-х годов, во время американского турне, “темно-лиловые” смогли это сделать, чем очень порадовали многочисленных зрителей и очень огорчили влиятельную, на тот момент, группу Cream.

Чуда не произошло, хотя ребята дело знают. Rocco, почему-то, напомнили мне канадскую команду Rush. Состав? А может быть, поющий бас-гитарист с высоким голосом, немного похожий на Geddy Lee? Трудно сказать, но такие ассоциации возникли.

Выступление минут через сорок закончилось, и парни из технического персонала быстро разобрали нехитрую аппаратуру красноярской рок-группы. Теперь есть возможность полюбоваться оснащением Deep Purple. На левой половине сцены – девственно белая ударная установка с золотыми, в лучах прожекторов, тарелками. Справа – пара стоек с клавишными, традиционно установленных буквой “Г”. Позади – две внушительные стены из акустики, в каждой по восемь колонок, рядом аппаратура усиления, подмигивающая синими и красными огоньками. Между барабанами и клавишными оставлен двухметровый проход - “тропа рок-н-ролла”, рядом единственная микрофонная стойка. Вокалист будет петь, остальные – играть. Партии у всех сложные, к чему размениваться по пустякам.

Около восьми вечера гаснет свет, и мы понимаем, что дождались.

Сегодня, как и все последние годы, для нас играют: Roger Glover – бас-гитара, Ian Paice – барабаны, Steve Morse – соло-гитара, Don Airey – клавишные, ну и, наконец, Ian Gillan – вокал. Длинный “хайр” только у Морса, остальные достаточно коротко пострижены, правда, бандана на голове у Гловера вызывает некоторые сомнения.

Гиллан – в черных джинсах и футболке, Эйри – также любит темные тона, Морс и Гловер предпочитают классические “блю джинс”, Пэйс – благороден и шикарен: светло-синий пиджак поверх белой рубашки. А как еще должен выглядеть человек никогда не покидавший Deep Purple? Единственный и незаменимый! Хотя за четыре десятилетия в группе отметились 14 музыкантов экстра-класса.

Deep Purple на сцене…. Музыка!

А потом полчаса настоящего кайфа. Одна за другой, без пауз, мощно и слаженно прозвучали: “Fireball”, “Into the Fire”, “Hard Lovin’ Man”, “Maybe I’m a Leo”, “Strange Kind of Woman” - песни из самых известных альбомов “темно-лиловых”.

Золотые 70-е – расцвет творчества группы, десятилетие бешеной популярности, время, когда сформировался столь узнаваемый “саунд” Deep Purple.

Джон Лорд, спокойный и интеллигентный, тяготеющий к джазу и классике, Ричи Блэкмор, эмоциональный и амбициозный, “железный” приверженец тяжелого рока - это именно они заложили краеугольный камень в основание колосса под названием Deep Purple. В результате их творческого, а, порой, и личностного соперничества у группы появился фирменный и до сих пор никем непревзойденный музыкальный почерк: мощный и тяжелый, с запоминающимися мелодиями, виртуозно сыгранный хард-рок от “темно-лиловых”.

С “генераторами идей” все ясно. А как же другие участники “классического” состава Deep Purple?

Голос – это еще один полноценный инструмент, и если певец им владеет в совершенстве, то музыка группы искрит новыми удивительными красками. А в нашем случае еще и 100%-ое попадание в хард-роковое звучание. Без Гиллана Deep Purple был бы совсем другим. Кроме того, участие в написании текстов, отстаивание собственной точки зрения на музыкальный материал делают его одним из главных творцов коллектива.

Без ритм-секции нет и рок-группы. Пэйс – один из лучших барабанщиков Острова украсил композиции Deep Purple гениальными “сбивками”, многие музыканты считают его своим “заочным” учителем. Бас-гитара Гловера - заключительный “символ” сакрального кода “темно-лиловых”. Все произошло на редкость удачно: в конце 60-х судьба свела эту пятерку великолепных музыкантов.

Ну а потом, в нужное время и в нужном месте, “пятизначная” комбинация открыла Deep Purple дверь в вечность. Немного пафосно, ну, да ладно! Deep Purple того стоит.

Концерт продолжается, есть возможность послушать “новых” участников группы.

Дон Эйри великолепный музыкант. За время выступления он, используя свои многоярусные “клавиши”, отправил зрителей в космос, пригласил на фортепианный концерт, перенес на скамью католического собора. И, конечно же, вернул ощущение концертов далеких 70-х, когда в рок-музыке безраздельно царил орган Hammond. Однако, не следует забывать, что все это придумал Джон Лорд.

Стив Морс – известный гитарист и талантливый импровизатор. Было опасение, что излишняя страсть к творчеству может ухудшить впечатления от концерта. Мне хотелось услышать тот самый Deep Purple, к созданию которого приложил руку Ричи Блэкмор. К счастью опасения не оправдались: Стив отыграл классические композиции виртуозно, без неуместной отсебятины. Гитарные риффы Блэкмора в надежных руках.

Мощный вокал и энергетика Гиллана…. Написал строчку и немного загрустил. К сожалению, это не совсем соответствует действительности. Энергетика – да! Мощный вокал? Только отчасти. По объективным причинам – возраст, состояние здоровья – он уже не может петь, как раньше. Часть вокальных партий была исполнена ниже, чем в “золотые” времена. Время от времени Гиллан уходил по “тропе рок-н-ролла” за кулисы: было видно, что он уставал.

И, тем не менее, замену Йэну Гиллану найти невозможно. Да и не нужно!

Необратимые возрастные изменения у Гловера и Пэйса обнаружены не были. Играли задорно, как всегда, виртуозно и с большим удовольствием. Гловер двигался по сцене – молодые “обзавидуются”.

Основная часть концерта подходит к концу, звучит “Smoke on the Water”. А перед глазами – туман, плывущий над зеркалом Женевского озера. Очутившись в швейцарском городке Монтрё, я невольно вспоминал об истории создания этой песни. Именно здесь во время концерта Фрэнка Заппы сгорел концертный зал “Казино”, а музыканты Deep Purple, потрясенные увиденным, написали хит всех времен и народов. Заезженно? Поднадоело? Может быть. Но стоит оказаться на концерте “темно-лиловых”, как сам начинаешь подпевать музыкантам. Проверено, это делал не только я.

На бис – традиционно “Hush”, и “Black Night”.

Deep Purple никогда не вели себя, как избалованные “рок-звезды”. И в этот раз “трудовая дисциплина” была на высоте: начали концерт вовремя, отыграли, как профессионалы высочайшего класса, звук – мощный и плотный, классический “саунд” от “темно-лиловых”.

Правы бородатые дядьки – “Deep Purple – forever!”.

Smokie

3 апреля 2013 года в Санкт-Петербурге выступали Smokie - представители британского софт-рока 70-80-х годов прошлого века. Группа пользовалась огромной популярностью в Союзе и странах Восточной Европы, хотя в Англии их статус был не так высок. В то время на Острове гремели монстры хард-рока: Deep Purple, Led Zeppelin, похожие по звучанию глэм-группы: Sweet, Slade, T. Rex, и наши гости находились в тени более именитых, обласканных вниманием, коллег.

Советские почитатели рок-музыки, к слову, оказались истинными и непредвзятыми меломанами. Они понятия не имели о радио раскрутках, высказываниях прессы, месте в чартах. Не мудрено: железный занавес надежно отгораживал загнивающий капитализм от Страны Советов. Людям просто нравились Smokie, пластинки которых привозили моряки и редкие счастливчики, умудрившиеся побывать за границей.

А где иные лидеры чартов тех лет? Их уже никто и не помнит.

Состав группы за прошедшие годы обновился почти полностью, из отцов-основателей остался лишь бас-гитарист Терри Аттли. Пришли новые музыканты, а это, конечно же, не могло не отразиться на звучании группы, подаче музыкального материала – тех самых, мелодичных, уже ставших классикой песен.

Возможно, это будут едва уловимые нюансы, а возможно – мы просто не узнаем Smokie. И это интересно, а, кроме того, зима в Санкт-Петербурге затянулась, на календаре “62 февраля”, и очень хочется чего-то нового, хочется услышать живой звук, порадовать себя хорошими впечатлениями. Это первый “большой” рок-концерт 2013 года: идти и никаких сомнений.

На ближних подступах к ДК Горького предприимчивые молодые люди предлагают CD и DVD с музыкой наших гостей, в фойе организована продажа сувениров с символикой Smokie, и это задает определенный настрой. После традиционного кофе с коньяком перемещаемся в зал. Хочется посмотреть на техническое оснащение группы.

На сцене два полуметровых подиума: слева – возвышается ударная установка TAMA, красного цвета, справа – белая “клавинетка” YAMAHA, внушительных габаритов. Нет никаких сомнений: здесь присутствуют все 88 клавиш.

Акустика и аппаратура усиления традиционно – MARSHALL. На переднем крае установлены три микрофона, а это значит, мы услышим многоголосое пение, им всегда славились Smokie.

Тыльная часть сцены затянута громадным полотнищем с изображением пустынной городской улицы. Полумрак, затянутое тучами небо, серые дома, на первых этажах можно разглядеть магазин с табличкой “sale” на витрине, рядом тускло освещенный бар, через окно которого просматриваются огромные цифры 1969. Быть может, это Бредфорд – родной город наших музыкантов, а 1969 год – значимая дата в истории коллектива. Каких-либо известных событий приходящихся на этот год мы не вспомнили, но тут же родилась гипотеза, вдохновленная городским пейзажем. Возможно, в этом баре и зародилась идея альбома “Midnight Cafe”, одного из лучших альбомов Smokie.

Ну, обо всем по порядку: до начала концерта еще есть время. На сцене пока лишь роуди, в последний раз проверяющие аппаратуру.

В 1965 году четверо школьников организовали “самую настоящую” рок-группу: Крис Норман (Christopher Ward Norman) - лидер вокал, ритм-гитара, пианино, Алан Силсон (Alan Silson) - лидер-гитара, вокал, Терри Аттли (Terence David Uttley) - бас-гитара, вокал и Рон Келли (Ronald Bruce Kelly) - ударные.

Сначала они назывались The Yen, затем Long Side Down (намек на психотропный препарат LSD) и первое время играли психоделию, усердно репетируя по субботам популярные песенки из хит-парадов.

Название группы менялось много раз, перечислять все – не самое интересное занятие.

В 1973 году - из коллектива ушел барабанщик Рон Келли. На его место взяли старого школьного приятеля Пита Спенсера (Peter David Spencer). Пит к тому времени переиграл чуть ли не в десятке разных команд, да к тому же имел опыт сочинительства. Закончилось формирование "золотого состава".

А в 1974 году на группу обращают внимание Майк Чепмен и Никки Чинн знаменитый тандем авторов-продюсеров.

Время показало правильность выбора, и если бы не сложился творческий альянс Чепмена-Чинна и наших музыкантов, вряд ли мы что-нибудь услышали о группе под названием Smokie. Кроме того, новые продюсеры основательно поработали над новым звучанием группы, в частности, довели до совершенства уникальные трехголосные гармонии, ставшие со временем фирменным знаком Smokie.

Итак, рецепт успеха был найден – красивые мелодии, мягкое звучание, много акустической гитары, мгновенно узнаваемый характерный голос солиста, безупречные гармонии. Кстати, голос Криса Нормана изначально не имел знакомой всем хрипотцы. Фирменный вокал – результат перенесенной в эти годы болезни.

Альбом "Midnight Cafe" привел группу к успеху благодаря композициям "Something's Been Making Me Blue", "Wild Wild Angels", "I'll Meet You at Midnight". Затем Smokie записали несколько хит-синглов, наиболее популярным из которых стал "Living Next Door to Alice". Smokie не были первыми исполнителями этой песни (до них её пела австралийская группа New World), но именно им удалось довести исполнение этой простой, но очень приятной композиции до идеального блеска. “Living Next Door to Alice” стала, наверное, самой популярной песней и визитной карточкой группы.

Кстати, любимая народом ”Needles & Pins”, также вещь довольно старая, но благодаря музыкантам получившая второе рождение.

Теперь наши парни превратились в настоящих суперзвезд: их пластинки расходились миллионными тиражами, а концерты всегда сопровождались аншлагами. Коммерческий успех сопутствовал альбомам "Bright Lights & Back Alleys" и "The Montreux Album", причем последний из них содержал хит "Mexican Girl", принадлежавший не Чину и Чапмэну, а Спенсеру и Норману. Здесь уместно сказать, что в Smokie песни писали и Терри Аттли и Алан Силсон. Знаменитую “What Can I Do” сочинил и исполнил именно Алан.

Однако после выхода диска "The Other Side Of The Road" в команде наметился творческий кризис, и продажи пластинок стали уменьшаться. В 1981-м Smokie в последний раз побывали в чартах, а в 1982-м, когда "Strangers In Paradise" потерпел неудачу, коллектив принял решение о самороспуске. Наверное, в это время Терри Аттли и успел поиграть в хард-роковых командах. О любви к “харду” он рассказывал лет пять назад в каком-то интервью. Группа возродилась в 1986-м, но не прошло и нескольких месяцев, как Крис Норман заявил об отставке. Его сольный альбом на тот момент пользовался большим спросом.

На свое место Крис предложил Алана Бартона (экс-"Black Lace"), имевшего сходную манеру исполнения. В составе также появился клавишник Мартин Буллард, а Спенсера сменил Стив Пиннелл. В такой конфигурации группа выпустила несколько альбомов, но ни один из них не вернул былой популярности. Свое 20-летие Smokie отметили диском "Celebration", на котором были свежие обработки проверенных хитов. На следующий год случилась трагедия – гастрольный автобус команды попал в аварию, и Бартон погиб. Вакансию вокалиста занял Майк Крафт.

А потом наши гости нашли себе и нового гитариста – им стал один из техников (роуди), сопровождавших группу на гастролях, по имени Мик МакКоннелл (Mick McConnell). Его рекомендовал Алан Силсон перед своим уходом.

Концерт начинается с небольшим опозданием. Гаснет свет, несколько минут звучит увертюра, некий сигнал – сейчас все начнется. Будьте готовы!

А потом на сцене появляются Майк Крафт – вокал, гитара, Майк МакКоннелл – вокал, лидер-гитара, Терри Аттли – вокал, бас-гитара, Мартин Буллард – клавишные, Стив Пинелл – вокал, ударные. Музыканты в джинсах и футболках темных расцветок, кроме Мартина. Клавишник – в белой рубашке и пестром стильном жилете. Солиден! Голову Пинелла украшает черная бандана. У Терри Аттли длинный седой “хайр”: последний отец-основатель очень импозантен.

Звучат знакомые, упомянутые ранее песни. Все композиции просто невозможно исполнить за два часа, поэтому музыканты подготовили пятиминутное попурри. До середины концерта выступление проходит вяловато. Видно, что музыканты еще не разогрелись, да и зал слушает немного настороженно. Исполнение нравится не всем – несколько человек проголосовали ногами. Пока все держится на многолетнем опыте выступлений: мы “бодры-веселы” демонстрируют публике наши гости. Шаг к микрофонам – спели, шаг назад – проигрыш. Супер-хиты явно припасены на вторую половину концерта.

Майк Крафт много общается с публикой, и это приносит свои плоды: как-то незаметно загорается та самая “вольтова дуга”. Происходит взаимная подпитка энергией: в зале замечены первые танцующие.

Майк обращается к зрителям:

- Хотите настоящего рок-н-ролла?

Зал явно не против. Звучит “Don’t Play Your Rock’n’Roll To Me”.

Для меня концерт начинается после исполнения “Will You Still Love Me Tomorrow”. Роуди выносят на передний край четвертый микрофон, и Стив Пинелл покидает ударную установку, захватив с собой бубен. Четыре голоса, акустическая гитара, послезвучия колокольчиков – великолепно.

Иногда слово берет Терри Аттли. В его речи на этот раз мы различаем “whisky”, “a little” и еще несколько подобающих случаю выражений. Не трудно догадаться, что сейчас прозвучит “What Can I Do”. Музыканты в России не в первый раз, и им прекрасно известна наша интерпретация популярной песни.

Несколько неожиданно под конец выступления была исполнена “Have You Ever Seen The Rain” из репертуара Creedence Clearwater Revival. Майк даже оросил первые ряды водой из бутылки, так сказать для полноты ощущений. А вообще, мне показалось, что вокал Крафта – точное попадание в стилистику Creedence.

Концерт завершает "Living Next Door to Alice" – визитная карточка наших гостей. В партере лес из поднятых рук, народ приплясывает в проходах, даже мы не удержались и “двинули телом”.

Smokie изменились, и это очевидно. Приход новых музыкантов не мог не сказаться на манере исполнения. Мне показалось, что ушла та “фирменная” мягкость звучания – Майк Крафт более брутален. А остальные участники группы невольно ориентируются на фронтмена. Может быть, это и неплохо: пытаться сделать точную копию, значит не уважать себя. Майк явно старается привнести что-то новое, в конце концов, он сложившийся музыкант с большим опытом выступления в других группах.

Принять или не принять сегодняшних Smokie каждый решает сам, но сходить на концерт я рекомендую. Хотя бы для того, чтобы услышать, как нужно петь. Да и великолепные мелодии не оставят равнодушными очень многих.

The Australian Pink Floyd Show

21 мая 2013 года в Ледовом дворце Санкт-Петербурга состоялся концерт The Australian Pink Floyd Show (TAPFS) - “золотого стандарта” трибьют-групп последнего десятилетия. Именно так о них отзываются зарубежные средства массовой информации.

Поначалу я был преисполнен скепсиса: почти в каждом уголке планеты, где хоть краем уха слышали Pink Floyd, есть похожие проекты-клоны, играющие по лицензии песни культового коллектива. Таковые, например, замечены в Канаде, Англии и ряде других стран. С удивление узнал, что аналогичный коллектив существует даже в Санкт-Петербурге.

В одном из городов турне-2013 наши австралийские гости были вынуждены отменить свое выступление, но поклонники расстраивались недолго: через пару месяцев к ним заглянет Pink Floyd Show UK.

В кассу Ледового дворца меня привели два обстоятельства:

- настоящих Pink Floyd послушать в живую уже не суждено;

- эпизод телепрограммы, увиденной несколько лет назад по какому-то спутниковому каналу, посвященной TAPFS.

О шоу в передаче упоминалось вскользь, но хорошо запомнились тонны звуковой и световой аппаратуры, многочисленный технический персонал и уверения в том, что любая концертная площадка будет озвучена должным образом.

Неужели? Как в старые добрые времена, когда рок-музыка была на пике популярности, когда собирались полные залы, когда для музыкантов не существовало мелочей в техническом оснащении. Сейчас, к сожалению, все не так: что предоставят из аппаратуры – на том и сыграют, главное инструменты дома не забыть. Хороший звук на концертах - большая редкость.

Очень жаль, но времена грандиозных рок-шоу давно прошли. Или нет? Увидим через несколько минут.

Мои спутники еще томятся в автомобильной пробке, погода замечательная: почему бы не прогуляться вокруг Ледового дворца. На “заднем дворе” обнаруживаю трейлеры компании “FLAYbyNIGHT” в количестве трех единиц. Начало обнадеживает.

Вот и мои друзья, сразу идем в зал: на часах без десяти восемь.

Места – напротив сцены, надеюсь, звук и стереоэффекты, которыми славились Pink Floyd, не разочаруют. А пока посмотрим на техническое оснащение TAPFS.

Слева на высоком подиуме ударная установка с двумя бас барабанами и десятком тарелок, перед ней – рабочее место гитариста: об этом свидетельствуют “Gibson-ы и Fender-ы”, многочисленные педали гитарных эффектов и микрофонная стойка. Правее, в центре сцены – микрофон бас-гитариста. Далее – синтезаторы клавишника, и, наконец, в правом углу сцены будет играть и петь еще один гитарист: рядом в ложементе - пять инструментов. Вообще, надо сказать, что гитар на подмостках никак не менее десятка.

В глубине – подиум с тремя микрофонами: не трудно догадаться, что здесь будут работать бэк-вокалистки.

Оптика позволяет рассмотреть на сцене какие-то странные предметы, похожие на мешки. Назначение их непонятно, но … всему свое время.

Обилие светотехники радует глаз. Круглый большой экран для видеоряда закольцован софитами. Гроздья прожекторов нависают над сценой, на ее переднем крае – девять прямоугольных световых панелей, в тылу – три лазерные установки.

В центре зрительного зала, рядом с внушительными пультами управления звуком и светом, генератор тумана.

Билеты на верхние ярусы Ледового не продавались, они затянуты черными занавесями, своеобразными экранами. Как выяснится чуть позднее, именно туда будут направлены лазерные лучи. А, кроме того, в зале достаточно много свободных мест, и трибуны бы явно пустовали.

Шоу, с которым в этом году TAPFS отправились в турне, называется ECLIPSED BY THE MOON. Отсыл к самому известному альбому Pink Floyd очевиден: он записан 40 лет назад. А кроме того на экране, висящем над сценой, запечатлена одна любопытная картинка….

Как все мы помним, на конверте DARK SIDE OF THE MOON изображен луч света, который разлагается на спектр, проходя через оптическую призму. Австралийские музыканты творчески переработали картинку и заменили призму пиктограммой австралийского континента. TAPFS, судя по всему. собираются добавить своих красок гениальной музыке Pink Floyd.

В историю углубляться не хочется, но пару слов, все же, сказать уместно: группа, образованная в 1988-м, занимается воплощением детской мечты — снять “нота в ноту” музыку любимой группы, да еще на этом денег заработать. На концертах австралийцы показывают добротный набор декораций и светотехники, напоминающий о концертах статусной команды, — разве что масштаб поскромнее.

У гитариста Стива Мака инструменты и подборка педалей, как у Дэвида Гилмора, классические соло не просто сняты, а разобраны до мельчайших нюансов оригинала.

Лет двадцать назад Гилмор сказал про The Australian Pink Floyd Show, что наконец-то получил возможность увидеть собственную группу со стороны, как обычный зритель. Более того, в 96-м году он сам, Рик Райт и басист-сессионщик Гай Пратт сыграли с «двойниками» несколько песен. Знак качества получен из рук самих отцов-основателей.

Концерт начинается с пятнадцатиминутным опозданием. В зале гаснет свет и после проигрыша, совмещенного с видеорядом, на сцене появились музыканты.

Сегодня на сцене: Стив Мак – гитара, вокал; Колин Уилсон – бас-гитара, вокал; Дейв Доммини Фаулер – гитара, вокал; Пол Бонни – ударные; Джейсон Софорд – клавишные; Майк Кидсон – саксофон; Лорелай Макбрум – вокал; Лара Смайлс – вокал; Эмили Линн – вокал.

Все парни одеты по “рабочему”: темные футболки и джинсы, Софорд и Бонни в шляпах. Стив Мак – обрит наголо, а вот у Софорда “хайр” – девушки обзавидуются. Бэк-вокалистки – в коротких темно-синих платьях. На подиуме они расположились следующим образом: слева брюнетка – Лорелай, в центре шатенка – Эмили, справа блондинка – Лара.

Как и следовало ожидать, сначала звучат композиции из альбома DARK SIDE OF THE MOON. Первые минуты выступления вызывают некоторую оторопь: и солирующая гитара не похожа на оригинал и вокалисты, похоже, не распелись. Здесь я могу и ошибаться. Возможно, тому виной акустические свойства помещения. Звукооператор настраивает аппаратуру в пустом зале, а при заполненных трибунах требуется корректировка.

Далее следует ON THE RUN. Сейчас уже можно оценить возможности аппаратуры и эффекты: причудливые звуки синтезаторов перемещаются из колонок в колонки, ощутимо дрожат сиденья. Пробирает! Окружающие тоже это чувствуют.

Бой часов, так хорошо знакомый и ожидаемый. TIME уже звучит, как должно: мощно и напористо. Звуковая волна приятно массирует грудную клетку. Видеоряд транслируемый на экране усиливает эмоциональное воздействие.

При исполнении THE GREAT GIG IN THE SKY по очереди солируют девушки. Эту композицию я помню прекрасно, поэтому внимательно прислушиваюсь. В оригинале под фортепианные аккорды звучат великолепные женские голоса.

Сказать, что наши вокалистки исполняют ее “нота в ноту” – значит, покривить душой, но, тем не менее – хорошо. Особенно запомнилась шатенка Эмили, певшая последней.

Концерт состоит из двух отделений, каждое из которых продолжается около часа. Поэтому уже в первой половине выступления, закончив с DARK SIDE OF THE MOON, TAPFS играет песни из других альбомов Pink Floyd. Звучат SHEEP, WELCOME TO THE MACHINE, SORROW и много чего еще. Очень понравилось исполнение SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND и ON THE TURNING AWAY.

А вот и знакомая партия “баса”, Колин Уилсон в лучах прожекторов. Это же ONE OF THESE DAYS. Здесь Стив Мак продемонстрировал виртуозное владение слайд-гитарой, а Джейсон Софорд добавил впечатлений синтезаторными эффектами. Замечательно.

Негромкие аккорды акустической гитары – пришло время WISH YOU WERE HERE. Стив Мак и Дейв Фаулер исполнили ее практически неотличимо от оригинала.

Сольные гитарные партии были поделены между ними примерно поровну. Наиболее сложные, как мне показалось, оставил себе Стив Мак. Стив – очень сильный музыкант, надо отдать должное. Он действительно разобрал до мелочей классические соло Дэвида Гилмора. Добавил ли что-нибудь свое? Не удивлюсь, если так.

Вокальные партии исполнялись Стивом, Дейвом и Колином, а помогала им троица бэк-вокалисток. Следует отметить высокий профессионализм девушек.

Во время исполнения ANOTHER BRICK IN THE WALL приходит время тех самых таинственных мешков. Ненадолго гаснет свет, и на сцене уже покачивается многометровая кукла “УЧИТЕЛЯ”, героя песни.

Чуть позднее, залу поклонится розовый кенгуру, а попрощается со зрителями летающая свинья, хитро подмигивающая красными глазками.

В конце выступления на экране появляются фотографии музыкантов Pink Floyd: Ричарда Райта, Роджера Уотерса, Ника Мэйсона, Сида Барретта, Дэвида Гилмора. Почему бы и не сказать: “ спасибо “? Отцы-основатели дали австралийцам работу, возможность заниматься любимым делом, посмотреть мир.

В целом нам понравилось шоу, вечер потрачен не зря. Уходим в отличном настроении. Живой мощный звук, свет хорошего качества, великолепные мелодии культового коллектива в исполнении достойных музыкантов.

Однако для адекватного восприятия действительности следует помнить о следующих моментах:

- это трибьют-группа, сравнивать их с первоисточником не совсем корректно. Не стоит ждать чудес. Очень умиляюсь, читая тексты о том, что Pink Floyd круче.

- австралийцы не могут себе позволить того, что имела культовая команда в пик интереса к рок-музыке (речь идет о звуковой и световой аппаратуре).

И, тем не менее, такое техническое оснащение - предмет зависти многих рок-групп, в том числе и зарубежных.

Советую сходить на TAPFS, если представится такая возможность.

Whitesnake

9 июня 2013 года в БКЗ “Октябрьский” состоялся концерт Whitesnake, легендарной рок-группы, играющей “хард” с элементами блюза, основанной в 1977 году Дэвидом Ковердейлом, бывшим вокалистом Deep Purple.

Санкт-Петербург – один из городов мирового турне, посвященного 35-летию коллектива, а заодно и году Змеи.

18.40 – рок-н-ролльный народ докуривает последние сигареты на ступенях концертного зала, с любопытством посматривая на себе подобных. Здесь есть на кого поглазеть: колоритные товарищи в блю-джинс и ковбойских шляпах, дяди в строгих костюмах, но с “зело клочкастыми” бородами, а-ля Билли Гиббонс, юные девушки в коротких топиках и многочисленные любители тяжелого рока, облаченные в футболки с названиями любимых групп. Кроме символики сегодняшних гостей вижу Deep Purple, Doors, Uriah Heep, AC/DC. Возраст почитателей “тяжа” преимущественно солиден, но когда лишний билет у меня спрашивает кругленькая бабушка, давно уже пребывающая в пенсионном возрасте…. Такого я еще не видел, это всенародная любовь.

Быть может, Whitesnake усадит всех нас в гигантскую машину времени и отправит в удивительную страну, где “трава зеленее, девушки красивее, а водка слаще”. Ну и бабушку, конечно же, не забудет, в 80-е ей было совсем немного.

Без четверти семь в зал еще не пускают, народ чинно сидит на скамейках или готовится приобщиться к подлинному искусству в многочисленных пунктах общественного питания. Наконец, через пару минут звучит звуковой сигнал, приглашающий занять свои места, и в фойе “Октябрьского” раздается мощное у-у-у-у-у. Даешь рок-н-ролл!

Устраиваемся поудобнее и достаем оптику: что-то нам приготовили юбиляры.

Над черной сценой натянуто гигантское полотнище с серебряной эмблемой Whitesnake - круглой печатью, где буква S, подобно змее, обвивает W. По периметру печати надпись – YEAR OF THE SNAKE. От эмблемы, как от дневного светила, расходятся черно-красные лучи.

На подмостках стена из аппаратуры, нечто похожее я наблюдал на концерте Deep Purple. Фирменный почерк! Слева направо: шесть колонок Marshall, установленных в два ряда, сверху усилители одноименной фирмы; далее пара черных кабинетов ритм-секции - вровень по высоте с двухрядной акустикой; правее - подиум с мощной ударной установкой (два бас-барабана и дюжина тарелок) и, наконец, еще восемь Marshall-ов (два ряда по четыре колонки). Стена выглядит, как монолит, в нее симметрично встроены металлоконструкции с прожекторами. Кстати, еще четыре софита – в основании подиума для барабанов.

Кроме “стены” на сцене три микрофона и очень скромное рабочее место клавишника, всего одна “клавинетка”.

Концерт начинается без опоздания (десять минут на рок-концерте таковым не считаются).

Гаснет свет и в темноте под сполохи служебных фонариков звучит "My generation" группы The Who (символично!), видны тени музыкантов, занимающих свои места. Сейчас нам покажут, как оно было … 35 лет назад.

Шоу начинается композицией "Give me all your love" из альбома “1987”, одного из самых коммерчески-успешных творений Whitesnake.

На переднем крае 61-летний Дэвид Ковердейл в синих джинсах, белых кроссовках и белой рубашке навыпуск. Длинный вьющийся “хайр” фронтмена – ухожен, седые пряди не обнаружены. На спине – логотип группы, украшенный надписью "Make some fucking noise!" Ну, все, о возрасте больше ни слова. Нет оснований! Основатель и бессменный вокалист Whitesnake в отличной форме. Такой, знаете ли, LOVE HUNTER. Недвусмысленные телодвижения говорят о том, что мужчина готов совершить акт любви с микрофонной стойкой, самим микрофоном, а также с акустическими колонками. Со всеми, но по очереди.

Кстати, одноименный альбом, снабженный эротической обложкой, продавался в пуританском западном мире в закрытых конвертах.

Дэвид с потрясающей скоростью перемещается с одного края сцены на противоположный, жмет руки поклонникам и уже начинает собирать подарки. Коих, забегая вперед, будет немало.

Без паузы Whitesnake исполняет "Ready An' Willing". Зал не нужно разогревать, он завелся после первой же песни. Не мудрено – голос Ковердейла по-прежнему красив и силен, необратимые возрастные изменения не замечены. Три года в Deep Purple – о чем-то говорят. Подозреваю, что после ухода Гиллана парни из DP прослушали немало вокалистов, но остановились в итоге на Дэвиде.

Саунд хорош, ударная установка озвучена замечательно. Таких барабанов я не слышал уже давно. Да и остальные парни стараются, персонажей в статичных позах на сцене нет. Кроме, пожалуй, Брайана Руди – сегодняшнего клавишника Whitesnake. В репертуаре “Белой змеи” есть несколько композиций, где его сольные партии могли бы здорово повысить градус. Но Брайан весь концерт держался в тени. Может, приболел?

Пора представить остальных участников группы.

За барабанами – Томми Олдридж, великолепный музыкант, сотрудничавший с Оззи Осборном и другими известными рокерами. Тщательно отрепетированная “импровизация” Томми украсила шоу: через минутку-другую виртуозных “сбивок”, совмещенных с элегантным вращением палочек, он метнул их в зал, продолжая демонстрировать безупречную технику кулаками и ладонями. Публика оценила мастерство барабанщика.

Ритм-секция, как известно, состоит из двух исполнителей, на бас-гитаре – Майкл Девин, бородатый длинноволосый мужчина, замечательно владеющий губной гармоникой. Блюз – forever!

За гитарные партии отвечают Даг Олдридж, выступавший в свое время с Ронни Джеймсом Дио и Реб Бич, игравший у Элиса Купера. У шоу свои законы: певцу нужно перевести дух и тут в дело вступают инструменталисты. Парни минут десять демонстрируют технические возможности, сначала поодиночке, а потом и дуэтом. Стремительно, виртуозно, с принятием красивых, проверенных годами поз, но каких-либо особых впечатлений их “поединок” не оставил. Мастеровитые исполнители делают свою работу.

За время концерта прозвучали полюбившиеся классические композиции Whitesnake: "Fool For Your Loving" из альбома SLIP OF TONGUE, "Bad Boys", "Still Of the Night" (альбом “1987”), “GAMBLER” (альбом SLIDE IT IN) и др., почти все хиты были сыграны.

Ковердейл охотно общается с залом. В одном из таких выступлений промелькнула и грустная нотка: память о друзьях, которых уже нет, навсегда останется в сердце. Это мистер Кози Пауэлл и мистер Джон Лорд, так их уважительно называет Дэвид, – бывшие участники Whitesnake .

Прошел уже час выступления, а Ковердейл все также неутомим. Пожимание рук, раздача автографов продолжается. Народ платит ему той же монетой. На подиум с ударной установкой постоянно относятся цветы (все, как один - белого цвета), флажки с российским триколором, какие-то сувениры и даже фуражка офицера ВМФ. К слову, такого количества цветов на рок-концерте я давненько не видел.

Завершается выступление композицией “Here I Go Again”. Ковердейл желает счастья зрителям, целует юных фанаток, лихо прорвавшихся на сцену. Дэвид даже защищает одну из них от секьюрити. Мачо! После поцелуя счастливая девушка явно потеряла ориентацию в пространстве, похоже, она не знает куда идти. Зато секьюрити знает, сейчас он ей все покажет.

Музыканты кланяются и под дикий рев зала покидают сцену. Тут же появляется технический персонал, и все понимают, что на бис сегодня не будет. Концерт продолжался примерно 1 час 20 минут. Маловато, зато бодро. Видно, что парни выложились на сто процентов. Очень ждал песен из репертуара Deep Purple, но не судьба. Может быть в следующей раз.

Вокруг не видно разочарованных, народ расходится в отличном настроении. Концерт понравился и мне: звук в “Октябрьском” традиционно хорош, энергетика сумасшедшая - у Ковердейла есть еще порох в пороховницах.

Alice Cooper

5 октября 2013 года в Санкт-Петербурге выступал Элис Купер, Великий и Ужасный, культовый персонаж рок-сцены, настоящая легенда рока. Шоу, которое на этот раз Купер привез в Россию, называется “Raise the Dead”. Перевести это можно, например, так: “Воскрешение мертвых”. Что ж, Театр смерти (худ. рук. Э. Купер) еще полон жизни и в мир иной явно не собирается. Любопытно, посмотрим-послушаем….

Очередь в “Юбилейный”, состоящая в большинстве своем из молодых людей, движется довольно медленно. (Забегая вперед, скажу, что меры безопасности были приняты серьезные, и секьюрити выполняли свои обязанности отнюдь неформально. Что-то и не припомню в обозримом прошлом, чтобы досмотр на рок-концертах производился с такой тщательностью). Поэтому есть время, немного рассказать о том нашем сегодняшнем госте.

Писать о таких музыкантах настоящее удовольствие, т.к. их жизнь изобилует большим количеством интересных событий, любопытных фактов, легенд, зачастую придуманных, умело и изобретательно. Постараюсь коротко, без излишних подробностей рассказать о нем.

Элис Купер (Alice Cooper), настоящее имя Винсент Дэймон Фурнье; (Vincent Damon Furnier) родился 4 февраля 1948 года в Детройте, в религиозной семье. Папа Винсента был пастором в лютеранской церкви, да и дедушка по отцовской линии также помогал прихожанам общаться с всевышним. Так что у юного Фурнье были все основания продолжить трудовую династию.… Но не тут-то было! Молодой человек еще в раннем возрасте понял, что догмы-каноны-запреты-постулаты, не для творческих личностей, к которым он без сомнения относил и себя, и начал поиски своей дорожки к счастью.

В школьные годы Винсент выделялся среди сверстников склонностью к хорошей “доброй” шутке. Энтузиазм парня следовало использовать в “мирных целях”, и он был привлечен к выпуску школьной газеты, где имел даже свою колонку. В эти годы Винсент и познакомился с двумя пишущими школьниками, а впоследствии и участниками рок-группы. Первые музыкальные опыты ребятам понравились, а кому не понравятся успех, внимание ровесниц, зависть менее удачливых тинэйджеров.

Кроме музыки нашу троицу весьма интересовало современное искусство, в частности творчество художников-сюрреалистов. Особое восхищение у Фурнье вызывал Сальвадор Дали. Весьма достойный учитель: вот откуда необузданная фантазия и склонность к эпатажу.

В 1965 году к рокерам пришел первый, пока еще небольшой успех. Группа в то время имела другое название, а потом меняла его несколько раз. Но это история интересна лишь дотошным биографам, поэтому мы ее пропустим.

Относительно происхождения названия Alice Cooper существует несколько версий, основная из которых выглядит так. Однажды вечером, а было это в 1968 году, участники коллектива отправились в гости к их тогдашнему менеджеру. Развлечения ради его матушка решила устроить спиритический сеанс, достала планшетку, и едва положила на неё руку, как стрелка пришла в движение и остановилась на буквах: A-L-I-C-E C-O-O-P-E-R. Именно это происшествие легло затем в основу легенды, согласно которой Винсент — инкарнация ведьмы, некогда сожжённой на костре.

Купер сотоварищи понимали: сама идея мужчины в роли двуполой ведьмы в оборванной женской одежде сможет вызвать общественные споры и обеспечить броские газетные заголовки. Элис Купер позже признавал, что смена имени явилась самым важным, самым блестящим ходом в его карьере.

Кстати, так как имя “Alice Cooper” изначально было придумано для команды, а не для самого Элиса, и так как оно юридически принадлежит группе, Купер платил и продолжает платить своим бывшим коллегам за право использовать это название.

А вот и классический состав группы “Alice Cooper” — Винсент Фурнье (вокал, губная гармоника), Глен Бакстон (соло-гитара) – тот самый пишущий школьник, Майкл Брюс (ритм-гитара), Дэнис Данавэй (бас-гитара) – второй собрат по перу, и Нил Смит (ударные).

Коллектив ворвался на рок-сцену в 1971 с хитом “I'm Eighteen”, за которым в 1972 году последовали добравшийся до верхних позиций в хит-парадах сингл “School’s Out” и очень успешный альбом “Billion Dollar Babies” (1973), ознаменовавший пик коммерческой популярности группы.

Музыка музыкой, а страсть к лицедейству искала своего выхода. Купер стал одним из первых музыкантов, которые добавили к рок-н-роллу элементы ужаса, своим актёрским мастерством и новаторскими сценическими находками оказав заметное влияние на развитие жанра.

1,2 миллиона долларов, заработанных от продажи альбома, Купер вложил в разработку нового сценического шоу, намного более странного и грандиозного, чем предыдущие. Его весьма креативная команда, собрав воедино все задумки, превратила шоу в “осязаемую трехмерную реальность живого кошмара, наполненную магией и чудесами”, раздвинув рамки всех прежних представлений о реальных возможностях сценического воздействия на рок-аудиторию.

Это было рождением Театра смерти.

Так уж случилось, что с “Billion Dollar Babies” я и начал свое знакомство с творчеством Элиса. Как-то, забежав в гости к своему приятелю-меломану, я застал его в приподнятом настроении: пару часов назад тот осуществил коммерчески-безупречную сделку - обменял 50 рублей на практически новую пластинку Элиса Купера. По его мнению, это следовало отметить, а я не возражал. Через час-другой безудержного веселья мы даже попытались снять гитарные риффы одноименной композиции. Приятель достал свой “дредноут” за 9 рублей 50 копеек (О, счастливчик!), а я сгонял за своим “веслом” за 7.50. Гитары были подключены к магнитофону и ламповому радиоприемнику (“синглы и хамбакеры” отлично заменили микрофоны, засунутые в гитарные деки), и полилась громкая и чарующая музыка. За приемником мы нашли пачку “ТУ-134”, утерянную где-то пол года назад. Табак за это время основательно просох, и при изрядном воображении напоминал изделия достойной фирмы, ну, скажем, “Philip Morris”.

Алжирское вино, сгорающие, как порох сигареты, Элис, снисходительно поглядывающий с альбомного разворота на русскую трибьют-группу – вот такое послевкусие осталось в памяти. Ну и, конечно же, сама музыка, альбом действительно очень хорош.

Элис - один из первых шок-рокеров, а, по мнению музыкальных критиков: король этого жанра. Уже потом появились музыканты, использующие его идеи: Мэрилин Мэнсон, Роб Зомби, Оззи Осборн и многие другие. Кстати, Оззи Осборн называет Элиса своим учителем.

Цитата, пожалуй, будет к месту: “Элис был нашим отцом. Он проделывал на сцене ещё более крамольные вещи, чем я. Он — великий”.

Сольная карьера Элиса Купера, начавшаяся в 1975 году с концептуального альбома “Welcome to My Nightmare”, успешно продолжается по сей день: в 2011 году он выпустил свой девятнадцатый сольный альбом “Welcome 2 My Nightmare”.

Помимо музыкальной деятельности Купер известен как актёр (кто не помнит фильм ужасов “Князь тьмы” 1987 г. режиссёра Джона Карпентера), игрок в гольф, владелец ресторана и, начиная с 2004 года, ведущий собственной радиопередачи “Nights with Alice Cooper”. Вот и осуществилась юношеская мечта о журналистике.

Более тридцати лет Купер ведет здоровый образ жизни, полностью отказавшись от курения и горячительных напитков, хотя, что скрывать, в его жизни был продолжительный период лечения от алкогольной зависимости. Сам Купер в одном из интервью говорил, что именно гольф помог справиться с зеленым змием. Купер - отличный семьянин, христианин, общественный деятель …. Верить или нет, пусть каждый решает сам, ведь мы уже знаем, что наш гость большой любитель легенд.

Ну, пожалуй, хватит. Об Элисе можно писать долго, но пора заканчивать. После тщательного досмотра на входе, можно, наконец, занять свои места.

Достаем оптику, есть время оценить аппаратуру и декорации нашего гостя. Не тут-то было: сцена закрыта блеклым серебристо-сине-зеленым занавесом. Этот театральный реквизит повешен, как мне показалось, нарочито небрежно. Что-то от балагана? Возможно, это имеет глубокую смысловую нагрузку. Неочевидную, на первый взгляд.

Концерт начинается с получасовым опозданием: стремительно падает занавес, звучат первые аккорды “Hello Hooray”, на подмостки проливается огненный дождь и за гаснущими искрами уже можно рассмотреть силуэт Великого и Ужасного. Элис в красном с черными полосами фраке, в брюках такой же расцветки, на голове - цилиндр, в руках неизменная трость. Благороден и шикарен!

В левом углу сцены оборудован уютный склеп, здесь по законам жанра прилег мертвец в белом саване. В центре – двухметровый эшафот с ударной установкой, оснащенной двумя бас-барабанами и многочисленными тарелками. Стойки расставлены симметрично и очень напоминают паучьи лапы. По обе стороны эшафота лестницы, на которых стоят гитаристы, в количестве аж четырех человек. Ну как тут не вспомнить интервью Элиса, в котором он упомянул о своем равнодушии к клавишным. Четвертый инструмент явно добавляет драйва, к тому же он на хрупких девичьих плечах. Участие девушки украсило шоу, тем более что это не избитый сценический прием. Она действительно хорошо владеет гитарой.

Пора представить музыкантов. Гитара – Орианти Панагарис, наша длинноволосая блондинка, единственная неамериканка в группе Элиса. Орианти родилась в Австралии 28 лет тому назад. Ну, что тут скажешь? Молодец Купер, дорогу молодым!

Проверенные кадры: Райан Рокси – гитара, Томми Хенриксен – гитара, Чак Гэррик – бас-гитара, Глен Собел – ударные.

Парни одеты, как обычные рокеры: джинсы, кожа, безрукавки, повязки на предплечьях и так далее и тому подобное. Орианти в черном плаще, на голове черная шляпка с кокетливым пером. В руках – белый “PRS Custom 24”, на этой гитаре она и отыграла почти все шоу. Лишь в паре-тройке композиций она использовала черный “PRS”. Чего не скажешь о сильной половине человечества: парни меняли инструменты постоянно. Пристрастие к гитарам фирмы “Gibson” видно невооруженным глазом. В руках у Райана и Томми побывали и “Les Paul” –ы, и “Explorer”-ы, и “SG”, и “Flying”-и. А вот бас-гитарист Чак Гэррик уважает инструменты фирмы “Fender”.

Что-либо сказать об аппаратуре не представляется возможным: она была спрятана за декорациями. Контуры гитарных кабинетов лишь угадывались за “каменными стенами”, надгробными плитами и крестами. Если говорить о звуке: было громко, с обилием “драйва”, но солирующие гитары не всегда “читались в миксе”.

Пора вернуться к главному герою, ведь уже звучит вторая песня. Это – “House of Fire”. Купер бодр, подвижен и, судя по всему, концерт ему не в тягость: чувствуется, что у Элиса сегодня неплохое настроение. Немудрено, на тусовочной площадке взметнулся лес рук (да так и не опускался до финальных аккордов) – сотни телефонных дисплеев добавляют необычных красок и без того яркому шоу. Задор молодых поклонников подпитывает энергией всех находящихся на сцене.

Купер щедр на подарки: в зал летят бусы, “купюры” с профилем Великого и Ужасного. Во время исполнения “Billion Dollar Babies” Элис изящным движением стряхивает их в зал. Денежка, к слову, была наколота на острие шпаги.

Не отстают от него и музыканты, публике достаются медиаторы, барабанные палочки и еще какие-то непонятные предметы.

Шоу продолжается, Элис в роли пациента психиатрической клиники. Песню “The Ballad of Dwight Fry” он исполняет в смирительной рубашке, из которой вырывается и страстно душит медсестру. Это “преступление” не сошло Элису с рук, справедливость торжествует. Купер был казнен на электрическом стуле, а спустя некоторое время и на гильотине. Голова убиенного продемонстрирована залу.

Мораль такова: “он искупает грех общества, которое с одной стороны его лицемерно осуждает, а с другой сладострастно любуется, подсознательно одобряя творимые им преступления”.

Но Элис в мир иной не собирается, во всяком случае, не в этот раз, он еще не выполнил свою миссию.

Ведь турне озаглавлено "Raise The Dead" – "Воскрешение мертвых". Купер снимает шляпу перед друзьями-музыкантами – теми, которых уже с нами нет, представляя собственные версии великих композиций, которые сочинили его соратники из числа "Голливудских вампиров" (неформальное объединение известных рок-музыкантов, существовавшее в 1970-е годы). Это: Джим Моррисон, Джон Леннон, Джимми Хендрикс и Кит Мун. На четырех экранах появляются фотографии с датами рождения и смерти, напомню их и я.

Джим Моррисон

8 декабря 1943 - 3 июля 1971.

Джон Леннон

9 октября 1940 – 8 декабря 1980.

Джимми Хендрикс

27 ноября 1942 – 18 сентября 1970.

Кит Мун

23 августа 1946 – 7 сентября 1978.

Для этого шоу Купер выбрал следующие песни друзей:

“Break On Through” (to the Other Side) (The Doors)

“Revolution” (The Beatles)

“Foxy Lady” (J. Hendrix)

“My Generation” (The Who)

Концерт подходит к концу: за полтора часа Купер сменил более десятка сценических костюмов (окровавленный халат, смирительную рубашку, многочисленные кожаные атрибуты, фраки, цилиндры, всего и не упомнишь), в его руках побывали шпаги, плети, трости, костыль и кружка, внушительных габаритов. Кстати, всеми предметами Элис управляется с завидным изяществом. В клубах дыма под всполохи молний прозвучали: “No More Mr. Nice Guy”, “Hey Stoopid”, “Dirty Diamonds”, “Welcome to My Nightmare”, “I Love the Dead”, “Poison” и другие известные хиты.

Во время исполнения песни “Feed My Frankenstein” на подмостках появился одноименный монстр высотой под четыре метра. Очень тяжелый персонаж, от профессионализма человека, сидящего внутри, зависит, как минимум, здоровье Элиса и музыкантов. Но это же, Театр смерти, ребята знали куда шли.

На бис прозвучала “School's Out”.

Мне понравилось шоу, любимые песни исполнены, Элис и музыканты отработали с удовольствием. Было заметно, что Куперу очень комфортно в им созданном мире. Где “ужасы”, беру в кавычки, соседствуют с карнавальным весельем, иронией, черным юмором в пропорции 50 на 50.

Театр есть театр, следует сделать поправку на условность происходящего на сцене. Это не Голливуд с его спецэффектами. Ужасы вряд ли способны кого-либо напугать по-настоящему. Быть может тогда в 70-е ….

Но годы канули в Лету, в мире многое изменилось, а сценический образ Элиса Купера, “плохого парня”, поющего хорошие песни, прошел проверку временем и обрел поклонников уже в третьем поколении.

Slade

21 ноября 2013 года в Санкт-Петербурге состоялся концерт Slade, самой эксцентричной, шумной и веселой рок-группы 70-х. В составе, к сожалению, уже давно нет, главных выдумщиков и авторов почти всех песен – Нодди Холдера и Джима Ли, но вторая половина звездного состава все еще в строю.

Дон Пауэлл и Дэйв Хилл, внесшие заметный вклад в создание фирменного, столь узнаваемого саунда Slade, снова в нашем городе.

Шоу, которое на этот раз музыканты привезли в Россию, называется "CUM ON FEEL THE NOIZE", как и одна из самых известных композиций Slade.

В этот раз группа выступает в ДК "Ленсовета", поэтому после сырой ноябрьской тьмы, так приятно устроиться “под пальмами” (уютное кафе в оранжерее). Здесь за чашечкой кофе можно скоротать время перед концертом, поглядывая в фойе через распахнутые двери. Там, у входа охраняемого секьюрити, толпятся любители автографов и фото сессий с конвертами от виниловых пластинок в руках. А не пройдут ли немного “задержавшиеся” музыканты в гримерки? Надежды тщетны, настоящие профессионалы в это время уже разми…, т.е. разыгрываются.

О наших гостях много чего написано, в том числе, достаточно обидных и несправедливых строк. Пожалуй, словесные упражнения критиков можно свести к следующему: “музыка из трех аккордов, примитивные песенки для рабочего класса (российский вариант – музыка для ПТУ-шников), дурные манеры и т.д.” Мастерами сценического движения Slade назвать трудно, да и приемы для “зажигания зала” нынешний состав, конечно, использует не самые выигрышные. Этими приемами, по отзывам очевидцев, в совершенстве владел Нодди Холдер, но в данный момент он уже на “пенсии” (У него все хорошо: авторские поступают без задержек).

А вот что касается музыки, не согласен. Если бы вам пришлось какое-то время общаться с музыкантами, то вы, не сомневаюсь, смогли бы подметить следующие типажи.

Музыкант в совершенстве владеет инструментом, но не обладает способностями к импровизации, композиции. Речь идет не о ласкающем собственный слух попадании в тональность или, например, сверхскоростном движении по блюзовой гамме. Этому, скорее всего, научат еще в музыкальной школе.

В другом случае с такими способностями все в порядке. Музыкант талантливо развивает идеи другого автора, бывает, что заурядная пьеса в результате “прикосновения мастера” становится супер популярной.

Или современная аранжировка старого хита заставляет вспомнить о композиторе, да и соавтор не остается внакладе. Один достаточно известный персонаж как-то признался Нодди Холдеру, что кавер "слэйдовской" песни, принес ему больше денег и известности, чем все предшествующее творчество.

Ну и, наконец, третий тип музыканта. Человек каким-то непостижимым образом способен придумать мелодию, тот самый десяток-другой нот, запоминающуюся цепочку звуков. О Боже, какой примитив! Как все это убого, на “трех аккордах”.

Да такие музыканты зачастую, борясь с собой, убирают неуместные длинноты, отвлекающие сложности, демонстрацию техники владения инструментами (а ведь все это уже придумано, отшлифовано на репетициях, да что там говорить – “просто гениально”), чтобы оставить те самые “три аккорда” и композиция “выстрелила”. А потом миллионы людей, пусть даже и фальшиво, но споют пару строчек в хорошем настроении.

Подводя черту, хочу сказать, что последний абзац уместен по отношению к профессионалам, по отношению к музыкальному бизнесу. Здесь задействовано слишком много людей и денег, и кроме удовлетворения собственных амбиций, следует соблюдать еще и “правила игры”.

Если вы музыкант и у вас все не так, значит вы музыкант-любитель. Быть может - пока, быть может - на все оставшуюся жизнь. Когда начинающий композитор говорит о том, что его не интересуют известность и достаток, а интересует лишь творчество, я понимаю и охотно верю. В данный момент времени. Творчество само по себе приносит огромное удовольствие, вполне сравнимое с …. Многоточие пусть каждый заменит сам. Однако придумать ту самую заветную цепочку звуков, мечта любого музыканта. Даже ради удовлетворения собственных амбиций. А потом вполне возможны и строчки в прессе, и столь приятный “звон монет”. Но у музыканта все остается выбор, например, так и остаться в ранге любителя. Но я о таких ничего не слышал.

И о них, скорее всего, так никто и не узнает.

Пора вернуться к нашим героям.

Slade завоевали репутацию одной из самых мелодичных групп после The Beatles, но, пожалуй, и "самой недооцененной” - так уж сложилось. Время было удивительное, такого количества великолепных команд появившихся почти одновременно никогда не было, и, судя по всему, никогда не будет.

В период с 1971 по 1976 год Slade выдали подряд 17 синглов, вошедших в “двадцатку” британского хит-парада, став первыми, кому удалось хоть как-то приблизиться к рекорду The Beatles — 22 хит-сингла. Все выпущенные в этот период альбомы также отметились в хит-параде Великобритании, а три из них поднялись на первую позицию.

В английской музыкальной прессе тех лет можно было прочитать следующее: "Немного до сих пор было коллективов, которые привнесли столько радикальных новшеств и изменений в свой "сценический образ", отличались бы столь характерным имиджем: одеждой, стилем, манерами".

Детство наших парней мало чем отличалось, все - выходцы из рабочих семей, да и жили они в нескольких милях друг от друга. Ну а биография Нодди Холдера – этому подтверждение.

Невилл Джон Холдер родился 15 июня 1946 года в Уолсолле, небольшом городке индустриального сердца Англии, Черной Страны, как называли ее местные жители. В годы его юности здесь были преуспевающие угольные шахты, сталеплавильные производства с огромными трубами, источающими дым и оставляющие отложения сажи везде, где только можно.

Жители Черной Страны, по его мнению – соль земли английской. Холдер, ныне проживающий в Манчестере, до сих пор гордится мидлендскими корнями.

В школе в возрасте семи лет наш герой получил прозвище Нодди (кивала), наблюдательный одноклассник подметил привычку Невилла молча кивать, когда требовалось сказать “да”.

Первое знакомство с рок-музыкой, а заодно и с Американской мечтой состоялось в 9 лет, когда он увидел фильм “Рок сутки напролет” с Биллом Хейли. Это было настоящим потрясением. Нодди вспоминает, как во время сеанса подростки постарше танцевали и подпевали Биллу и его “Кометам”.

В 12 лет на Рождество родители подарили Невиллу первую гитару, довольно потрепанную вещь из ближайшей “комиссионки”. Мамин знакомый, джазовый гитарист, дал несколько уроков юному музыканту.

В те годы с радиостанциями, транслирующими популярную музыку, было, прямо скажем, “негусто”, и Нодди по ночам слушал Радио Люксембург. Ничего не напоминает? Много лет спустя мальчишки из Советского Союза также слушали музыкальные передачи Би-Би-Си и других “вражеских голосов”.

Потом были группы, играющие каверы Elvis, Little Richard, Shadows, Chuck Berry и других популярных в то время коллективов, уход из школы, работа в аккомпанирующем составе Стива Бретта и первые заграничные гастроли в Германии.

Без сомнений, отличная школа! Работа в немецких клубах (многочасовые выступления перед самой разнообразной публикой) позволяли британским группам прогрессировать с завидной скоростью. Через это прошли почти все герои рок-сцены 70-х.

Роль гитариста в коллективе Стива перестала устраивать Холдера, следовало что-то менять в жизни.

Спустя несколько недель после возвращения из Германии Нодди “болтался” между группами Вулвергемптона, делать было нечего и следовало немедленно найти новую работу. А музыка на тот момент уже являлась самой настоящей работой, она давала хоть какие-то средства к существованию. О баснословных гонорарах тогда можно было лишь мечтать.

Тут-то он и встретил Дэйва Хилла и Дона Пауэлла из ‘N Betweens. Дон основал группу еще в школе, чуть позднее пришел Дэйв. Команда на тот момент играла преимущественно блюз, который, надо сказать, всем основательно поднадоел. Парни хотели чего-то нового, а для этого следовало полностью обновить состав. Они то и предложили Холдеру присоединиться, узнав от Нодди, что тот ищет новую группу. За несколько недель до “исторической” встречи парни взяли Джимми Ли на бас-гитару.

Первый концерт обновленных ‘N Betweens состоялся 1 апреля 1966 года в городском зале Уолсолла. Все прошло неплохо: довольными остались и старые поклонники и музыканты.

Выступления в небольших клубах шли параллельно с поисками нового звука, собственного стиля. Тогда, кстати, именно Дэйв Хилл предложил использовать три лидирующие гитары, а после этого басовые партии Джимми по сложности мало чем отличались от сольных пассажей Дэйва и Нодди. Даже если не удавалось придумать что-либо “замысловатое”, ребята просто играли одну партию в разных октавах.

У группы появился самый настоящий продюсер – Джек Баверсток. Название ‘N Betweens Джек счел бесперспективным и в приказном порядке поменял на Ambrose Slade. Секретарь Баверстока, молодая девушка, очень любила давать имена собственные окружающим ее вещам. Книги, карандаши, косметичка и даже конторский степлер – все они имели названия. Джек как-то обнаружил на ее столе два предмета (какие именно история умалчивает), и группа обрела новое имя. Довольно легкомысленный подход к серьезному делу.

Однажды на их выступлении в лондонском клубе Rasputins, стильном и довольно странном месте, где собирались поклонники диско, оказался Чес Чендлер - бывший бас-гитарист группы Animals. К этому моменту Чендлер заслужил репутацию одного из самых удачливых продюсеров, именно он открыл легендарного короля рок-гитары Джимми Хендрикса.

Растормошить диско публику - дело непростое, но Slade сумели это сделать. Завсегдатаи, равнодушно танцующие в начале концерта, к финальным аккордам уже прыгали и кричали.

После шоу Чес зашел в костюмерную и сказал, что хочет заключить контракт. “Вы – глоток свежего воздуха, никогда не видел диско публику такой возбужденной!” Годами позже он признался Холдеру, что именно его необычный голос и умение контактировать с залом были главными причинами для принятия решения.

И действительно, его вокал, по тембральной окраске просто не поддающийся идентификации, кричащую манеру исполнения, не спутать ни с кем другим. А вот и мнение “независимого” эксперта.

Оззи Озборн, которого так любят цитировать журналисты, как-то сказал:

"В студии мы все хорошие певцы, но настоящий вокалист сдает экзамен в сценической работе. Лично я считаю рок-вокалистом всех времен и народов Нодди Холдера из Slade. В тяжелом роке ему нет равных".

Профессиональная интуиция подсказывала Чендлеру, что из этих бесшабашных юнцов выйдет толк. И он не прогадал, но для этого потребовалось время и немало усилий. Для начала название группы сократили, слово Ambrose Чес посчитал лишним, оставив лишь Slade.

Прошло два года, но в репертуаре Slade еще нет хитов, песен входящих в двадцатку популярной музыки Великобритании. Хотя группа приобрела известность и с легкостью собирает залы на 1500 зрителей.

Чес отлично понимает “правила игры” и разными хитроумными способами подталкивает ребят к сочинительству.

Первое время музыканты пытаются сочинять парами: Нодди и Дэйв, логично на первый взгляд - два гитариста, Джим и Дон – ритм секция. Но из этого эксперимента не получается ничего толкового.

Чендлер не сдается, он чувствует пока еще скрытый потенциал музыкантов. Парни, которые умудряются делать отличные обработки чужих песен, не могут не придумать что-либо свое.

Песня Литл Ричарда (настоящий автор – Бобби Маршант) “Geth Dawn And Get With It” в исполнении Slade входит в Top 20. Это было началом настоящего успеха. Наверное, и парни, наконец, поверили в себя.

Нодди и Джим теперь пробуют писать вместе. Все началось с незамысловатого гитарного риффа: уже несколько лет парни использовали его в костюмерной перед выступлениями, чтобы разыграться, а заодно и скрипку Джима настроить. Обычное упражнение, тренировочный мотив. Парни добавили аккордов, Нодди набросал текст, и через двадцать минут появилась “Coz I Luv You”. А спустя две недели она обосновалась на первой строчке хит-парада.

Кстати следует упомянуть, что Slade одними из первых в рок-музыке стали использовать скрипку как солирующий инструмент (В этом заслуга Джима Ли, единственного из группы получившего музыкальное образование. Джимми - дипломированный скрипач).

Дуэт авторов сложился: это немало, однако нужно что-то еще. Какие-то тончайшие нюансы, без которых куда более профессиональные музыканты почему-то не способны добиться успеха. В группе должна возникнуть и поддерживаться атмосфера творчества.

В Slade парни очень дополняли друг друга: молчаливый, застенчивый в жизни - Пауэлл (ударные), модник, испытывающий огромное удовольствие от известности - Хилл (гитара), интеллигентный и “домашний” - Ли (бас-гитара, рояль, скрипка), шоумен от бога - Холдер (вокал, гитара). Ну и Чеса Чендлера не забудем. Без него еще неизвестно, как сложилась бы их судьба. Все молоды, амбициозны и талантливы.

Пожалуй, хватит о былых заслугах, тем более что прозвучал третий звонок. Пора в зал.

Ну и первый взгляд, конечно же, на сцену. Там все более чем скромно: на подиуме барабанная установка (одна бочка, несколько тарелок …), аппаратура Marshall, три микрофона, две тумбы и пара мониторов между ними. Эконом-вариант, даже традиционное полотнище, закрывающее тыльную часть сцены, отсутствует. Оживляет пейзаж белая “скрипица” на высокой стойке.

Зал заполнен процентов на 70. Зрителям, окружающим меня далеко за сорок (вспоминаю недавний концерт Купера, где двадцатилетних было достаточно много), правда в соседнем ряду вижу представителя молодого поколения: на коленях у деда сидит мальчишка лет 4-5. Музыкальное образование в столь юном возрасте? Почему нет?

Подготовительный класс Школы Рока.

Come on, baby!

Из-за кулис доносится рокот бас-гитары, и на сцене появляются музыканты. Дэйв Хилл – гитара, Дон Пауэлл - барабаны, Мэл МакНалти – гитара, вокал и Джон Берри - бас-гитара, скрипка, вокал.

Дэйв в широкополой шляпе с кокардой, расшитой куртке, штанцах стального цвета и кроссовках. А где же столь любимые Дэйвом платформы, непременный атрибут времен глэм-рока? Но об этом чуть позже. В руках золотистый Gibson LP.

Дон Пауэлл в полосатых черно-белых брюках и темной футболке, хайр у Дона все еще в полном порядке. Такая, знаете ли, зело лохматая шевелюра в стиле Дока, героя фильма “Назад в будущее”.

Мэл МакНалти – весь в черном, на голове – котелок, на носу – круглые очки. Имидж кота Базилио! Вооружен черным Gibson-ом SG.

Джон Берри в черном фраке и черно-красных штанах, в руках белый четырехструнный Gibson.

С этими инструментами парни так и прошли весь концерт, правда под конец в руках у Хилла появилась стилизованная под пистолет гитара с голубыми светодиодами на грифе. В свое время Дэйв очень любил ее “близняшку” на съемках Top Of The Pops.

Открывает концерт “Gudbuy T'Jane”. Саунд группы не изменился и тише не стал, это Slade – без сомнений: узнаваемый, "слэйдовский" - звук гитар, красивые басовые партии, стремительный ритм ударных. А как же вокал? С этим непросто, спеть так, как пел Нодди, не удастся уже никому. Мэл рычит, пытаясь подражать Холдеру, это немного забавно.

Несколько раз вокальные партии брал на себя Джон Берри. Рычать он, похоже, не умеет, медленная и красивая баллада “Everyday”, в его исполнении прозвучала весьма прилично. Правда, очень не хватало фортепианных аккордов, ведь именно с них начинается песня в оригинале. Зато все скрипичные партии Джон отыграл, как и положено.

Обязанности шоумена естественно на Дэйве, остальные парни отметились лишь в разговорном жанре. Мужчина забирается на тумбу, призывает публику топать и хлопать, сгибает руку, демонстрируя место, где по идее должен быть бицепс. Таковой не обнаружен, но Дэйв не унывает. Со скоростью не соответствующей возрасту, он перемещается по сцене, и усилия не проходят напрасно. К середине концерта зал удается расшевелить. А будь у него на ногах платформы? Он бы не пробежал и половину дистанции. Очень запомнился спринтерский рывок в проходе между первым рядом партера и сценой. Крошечный Дэйв решительно отодвинул двухметрового секьюрити и с гитарой наперевес устремился к лесенке в другом конце зала, охранник тоже размялся, выдерживая двухметровую дистанцию.

В первой части концерта прозвучали: “Lock Up Your Daughters”, “Far Far Away”, “Look Wot You Dun”, “Red Hot”, “Coz I Luv You”, “Run Runaway”,

“I Hear Ya Callin'”, “Cum on Let's Party”, “The Bangin' Man”, “Mama Weer All Crazee Now”, “Get Down and Get With It”.

Музыканты кланяются и удаляются за кулисы. Зал требует продолжения “банкета”, и парни вновь на сцене. Они вернулись настолько быстро, что я удивился. А как же пресловутая пауза для солидности? Может быть, им хотелось поскорее закончить концерт, может быть – подарить отзывчивой питерской публике еще немного старого доброго рок-н-ролла. И как можно быстрее! Мне по душе второй вариант.

В завершении прозвучали: “My Oh My”, “Cum On Feel the Noize”, “Merry Xmas Everybody”.

Рождественская песня, чемпион по пребыванию в чартах, “Merry Xmas Everybody” была исполнена в колпаках Санта Клаусов и логично завершила концерт, ведь скоро Рождество, а за ним и Новый Год. Хорошее и очень мелодичное поздравление питерским поклонникам от Slade. Да еще и в стиле рок!

Keep On Rockin’!